"PAISAJES TRANSFORMADOS" Y "BAB'AZIZ": 7 de marzo 2008

"Bab'Aziz. El sabio sufí"
*** (Tres)
Espejos y espejismos
Director: Nacer Khemir.
Intérpretes: Parviz Shahinkhou, Maryam Hamid.
Nacionalidad: Francia-Túnez-Irán, 2005.
Duración: 100 mintutos.
Género: Drama.
Merecía mejor suerte el sufismo que su última aparición en nuestras pantallas, hace dos años y pico, con esa "danza del mosquito" in-sufi-ble con que el infame Tony Gatlif cerró su "Exils". Afortunadamente, aquí los tiros y las picaduras van por otro camino, mucho más noble y espiritual, y que entronca con los sedosos y virtuosos cuentos derviches de maestros como Idries Shah. El multidisciplinar tunecino Nacer Khemir se propone nada menos que embotellar un puñado de espejismos milenarios y casi fantasmales antes de que algún viento del desierto se los lleve para siempre o, lo que es peor, que algún político los utilice en algún mítin intercultural o "intercivilizador". La jugada le sale redonda, o piramidal: cada ladera de esta película es un reto para los sentidos y el corazón. Los proverbios y fábulas que el anciano sabio cuenta a su nieta "on the road", la "tagoriana" música de Armand Amar, la fotografía con alma de oasis... Y, sinceramente, merece la pena emprender la escalada, llegar a la cima, o a un repecho, y con toda la tranquilidad del mundo, respirar hondo.

"Paisajes transformados"
** (Dos)
Objetivo discreto
Directora: Jennifer Baichwal.
Con: Edward Burtynsky.
Nacionalidad: Canadá, 2006.
Duración: 85 minutos.
Género: Documental.
La famosa y manoseada sentencia de Spielberg sobre "Barry Lyndon" ("es como ir al museo del Prado sin haber comido") bien se podría aplicar a este documental, hipnótico y fatigoso como ver a un menonita haciendo ganchillo (o haciendo "cualquier" cosa). Para su tercer trabajo en diez años, la selecta Jennifer Baichwal planta firmemente el trípode para que se acomode la cámara de alto rendimiento de Edward Burtynsky, el negativo fibroso de Sebastiao Salgado, un hacedor de imágenes de una belleza grasienta y extrañamente prehistórica. Contemplativo, revelador e interminable, el filme eterniza sus logros en un cruce entre docudrama sobre la explotación laboral en el ancho mundo (nadie le tose aún a "La pesadilla de Darwin") y "power point" sobre las mejores fotos del año que nos suelen mandar los amiguetes por Navidad. Sabíamos que el travelling podía ser una cuestión moral (Godard dixit), pero en el caso del plano fijo y escayolado hay que tener más ídem que el Alcoyano.

"EN EL PUNTO DE MIRA": 29 de febrero de 2008

“En el punto de mira”
** (Dos)
Ándale, charros
Director: Peter Travis.
Intérpretes: Dennis Quaid, Forest Whitaker, Eduardo Noriega.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Duración: 90 minutos.
Género: Thriller.
Ahora que corren por el carril central los pensamientos únicos y los bipartidismos gazmoños (me gusta esta palabra), no está mal que esa fábrica de unilateralidades llamada Hollywood sirva un filete poliédrico con más caras que una colección de sellos. Desde luego, el chiste estructural del filme es de “trivial, quesito rosa, capítulo primero” -verbigracia, dibujar un mismo suceso, en este caso el atentado al presidente yanqui, desde las perspectivas de los personajes implicados, estilo “Rashomon”-, pero al novato Peter Travis se le nota el buen nervio televisivo a la hora de agarrar por el pestorejo, o cerviguillo, la atención del espectador y colocarle en sus distintas balizas narrativas. Bueno, más bien lo consigue hasta que llega la cuarta o quinta cuenta atrás, y uno empieza a estar algo harto de los mismos salmantinos de Tijuana con las banderitas, el mismo sospechoso ventanal entornado y el mismo placaje brutal (se nota que a Quaid le mola el fútbol americano) al pobre Noriega. Así que, como siempre, se impone jugar a los parecidos razonables: Sigourney Weaver con Mercedes Milá, William Hurt con el Rey, Forest Whitaker con Solbes... Por fin se acaban las dichosas contrarrelojes y Travis nos cambia los ojos de mosca por las gafas bifocales: dobles presidentes, dobles terroristas, dobles persecuciones... Y casi hasta ahí podemos leer, porque “En el punto de mira” es, con permiso de “Abre los ojos”, el rey del cine-spoiler: tiene tantos agujeros e incongruencias, detalladas en foros internautas, que es imposible enumerarlas sin destripar (o “espoilear”) su argumento. En resumen: noventa minutos de pirotecnia y olvido, como las novelas-bonobús que decía el otro día Goytisolo.

"ÓSCAR, UNA PASIÓN SURREALISTA": 22 de febrero de 2008

“Óscar, una pasión surrealista”
Gris bodegón
* (Una)
Director: Lucas Fernández.
Intérpretes: Joaquim de Almeida, Victoria Abril, Emma Suárez.
Nacionalidad: España, 2008.
Duración: 97 minutos.
Lo mejor que se puede decir de esta película es que inyecta súbitamente en el espectador las ganas de sumergirse en el semisecreto mundo, poblado por máquinas de coser electrosexuales y dragos con las venas cortadas, imaginado por Óscar Domínguez a principios de siglo XX. Lo peor, que para esa zambullida sea estrictamente necesario salir del cine. Vamos, que si uno lo intenta lanzándose de bruces contra la gran pantalla, en plan acción surrealista, rebotará estrepitosamente dejándose alguna vértebra en el poético intento. Vale que el séptimo arte “no es país para lienzos”, exceptuando algunos brochazos aislados, clásicos y comunes, y eso que Ed Harris instaló no hace mucho el modelo de biopic sobre artista tortuoso y maldito con “Pollock”. Sin embargo, la ópera prima del tinerfeño (paisano de Domínguez) Lucas Fernández no aspira a ser una biografía al uso, salpicada con pinceladas de la espuma de los días vanguardistas de la época (véase “Frida” y su “entente cordiale” parisina y tropical). En una decisión arriesgada pero fallida, el director incrusta en el cuadro un “sfumato” en forma de ficción intrigante con crisis femeninas y depredadores mercantiles de por medio. Casi nunca logra ligar tal salsa coetánea con la biografía propiamente dicha de Domínguez, papel interpretado como buenamente puede por Joaquim de Almeida en otra decisión que riza el rizo: de acuerdo que el portugués guarde similud física con un pintor a quien casi nadie “pone cara” pero, entonces, ¿por qué elegir para el breve personaje de Picasso a un actor con la misma presencia y magnetismo que un registrador de la propiedad? Quizá resulte chocante que una película sobre el surrealismo acabe haciéndose tan plomiza y aburrida, cuando no directamente ridícula, como la charlotada “pánica” en el manicomio o los marchantes de vodevil encarnados por Toni Cantó y, arrea, Caco Senante. Se salva por el pelos, o los morros, el publicitado besazo entre Abril y Suárez. Al menos, cada euro invertido (y son varios millones) se refleja fielmente en un diseño artístico magnífico, pero tampoco es buena señal cuando de un cuadro se valora más el marco que el contenido.

"KM. 31": 15 febrero de 2008

“KM. 31”
** (Dos)
Curvas peligrosas
Director: Rigoberto Castañeda.
Intérpretes: Adrià Collado, Raúl Méndez, Iliana Fox.
Nacionalidad: México – España, 2007.
Duración: 103 minutos.
Género: Terror.
Exceptuando las embestidas de Del Toro y los cócteles molotov de Santo, el cine mexicano de terror siempre nos conduce psicotrónicamente al asilo amargo en el que Karloff sufrió un canto del cisne con sabor a pularda vieja. Afortunadamente, el plan renove también ha llegado a tierras aztecas, aunque sea con los vasos comunicantes de la madre patria. Porque este “KM. 31” bebe directamente del discreto encanto de la cara B de sus primas españolas “made in Filmax” (cintas como “Los abandonados” o “Bosque de sombras”, pobres pero honradas alternativas a los gigantes “El orfanato” o “REC”), sin olvidar la guardería nipona de “The ring” o “La maldición”, inquietantes conexiones surtidas (“Anatomía”, “Hermanas” o, ejem, “La monja”) y hasta leyendas urbanas de atropellados fantasmas estilo “Cuarto milenio”. Así, el debutante Castañeda tenía complicado asomar un mínimo de originalidad entre tal fárrago de lugares comunes, pero al menos logra brillantez formal (no tanto sonora), respeto a los clásicos y un tramo final sugerente, con Adriá Collado en su salsa. No será de las de encender la luz del pasillo para ir al cuarto de baño mientras la veamos en DVD dentro de unas semanitas, pero tampoco de las que el disco sirve como posavasos de infusiones. Ya nos entendemos, ¿no?

"30 días de oscuridad": 8 de febrero de 2008

Mordedores en Alaska
** (Dos)
Director: David Slade.
Intérpretes: Josh Hartnett, Danny Huston, Ben Foster.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Duración: 113 minutos.
Género: Terror.
Nuevamente el cine de terror le hinca el diente al menudillo vampírico, aunque en esta ocasión lo tenía a huevo. Si hay una ciudad en el quinto iglú de Alaska donde, durante un mes entero, no asoma ni un rayito de sol, pues ni Transilvania ni gaitas: ahí que soltamos a una piara de bestias mordedoras y ladradoras para que hagan sus escabechinas y planeen conquistar a la Humanidad al completo. David Slade ya nos activó (sobre todo a los varones) algunos mecanismos del terror más sulfúrico y psicológico con "Hard Candy", y ahora se cruza a la acera del gore espídico y elegante (estupenda presencia la de Danny Huston) con una historia basada en una popular novela gráfica de radicales contrastes cromáticos alrededor de rojo, blanco y negro. Un look que se conserva magníficamente en la gran pantalla, intensificado con la calidad de la pintura del maestro Sam Raimi, que aquí coloca el caballete productor y de propina lanza algunas pinceladas de sus años mozos y golfos. No puede negar "30 días de oscuridad" su alma de serie B, y en esa honestidad radica su mejor virtud: las bestias son sanguinarias y espeluznantes (ojo al calvo de la barba hemoglobínica), pero también desean dominar el mundo desde el subconsciente, como los cenobitas de "Hellraiser" o las aberraciones de Lovecraft. Por otra parte, los humanos son débiles (incluso por el detalle del protagonista separado de su mujer), pero la unión desesperada hace la fuerza. Total, una pieza jugosa, a ratos potente y otros tontaina. Como casi todo.

"MONSTRUOSO": 1 FEBRERO 2008

“Monstruoso”
La amenaza sin barba
*** (Tres)
Director: Matt Reeves.
Intérpretes: Lizzy Caplan, Jessica Lucas, T.J. Miller.
Duración: 85 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Género: Terror.
Ni siete años ha considerado Hollywood como plazo prudente para que el imaginario colectivo yanqui no se traumatizara con la profanación de otro de los tótems neoyorquinos. Quizá ver la Estatua de la Libertad convertida en María Antonieta y a su cabeza jugar al “guá” con los ciudadanos sea un impacto algo travieso comparado con las Torres Gemelas desplomándose grotescamente como dos polos de limón gigantes en el desierto. Pero es precisamente esa sensación de “comodidad ante la ficción imposible” con la que ha coqueteado el género de terror a lo largo de sus últimos doscientos años de vida, aunque el cine haya encontrado una perversa variante: el falso documental y su doble hélice de realidad y fantasía. Una tendencia que popularizó “El proyecto de la bruja de Blair”, que alcanzó un solvente grado de maestría con “REC” y que ahora se amplifica gracias a la histeria colectiva (las ordenadas huidas de los neoyorquinos ante lo que consideran sin duda un ataque terrorista es lo más “real” de la función) en “Monstruoso”. Pese a todo, es inevitable recordar que la sombra del filme de Balagueró y Plaza es muy alargada, tanto como un Godzilla a la española capaz de mojarle la oreja y partirle las piernas al bicharraco de marras. La estructura elegida por Mat Reeves también es modelo de relato terrorífico clásico: una amplia (y a veces fastidiosamente trivial, aunque ayude a conectar con su presunto público adolescente) introducción donde reina la normalidad antes de que haga acto de aparición el macro-caos. Después, la alocada huida entorpecida por los “absurdos impulsos” del galán para salvar a su dama en apuros y, finalmente, un desenlace casi de western, con el monstruo mirando cara a cara a la videocámara que le descubre, y que nos lo descubre a todos los espectadores. “Monstruoso” juega en corto y le sale bien: 85 minutos de miedo desconocido (nunca se desvela el origen del mal) en estado puro son ideales para pasar un buen mal rato y salir a la calle con una reconfortante sensación de irrealidad palomitera. Al fin y al cabo, ninguno de los colosos destrozones llevaba barba ni turbante.

"MORTADELO Y FILEMÓN. MISIÓN: SALVAR LA TIERRA": 25 de enero de 2008

“Mortadelo y Filemón. Misión: salvar la Tierra”
La máquina de copiar gente
** (Dos)
Director: Miguel Bardem.
Intérpretes: Edu Soto, Pepe Viyuela, Berta Ojea.
Nacionalidad: España, 2008.
Género: Humor de tebeo.
Visto desde la perspectiva del tiempo (aunque fuesen cinco años, que en cine español es mucho), lo que consiguió Javier Fesser con “La gran aventura de Mortadelo y Filemón” tuvo casi tanto mérito como si Bacterio ganase el Nobel de Química y Ofelia el de la Paz en el mismo año. Teletransportarnos a las catacumbas de la T.I.A., sin escatimar ni una lombriz fumando “celtas”, y servirnos en plan “pulguitas” un buen muestrario de los bocadillos que salieron de los más altos hornos de Ibáñez no se paga con dinero, ni siquiera “petromortadelos”. Hasta se perdonaban los tacos y acentos regionales y que Rompetechos fuese un “facha” furibundo. Así, cualquiera que quisiese acometer la continuación de la saga solo tenía que repasar con tinta fresca tan brillante original, y colorearlo, si no al óleo fino, al menos a la témpera temperamental. Eso ha hecho Miguel Bardem (cuya filiación al pop estrafalario quedó clara con “La mujer más fea del mundo”, y a la picaresca nacional con la estimable “Incautos”), aunque, evidentemente, el factor sorpresa fesseriano quede fulminado a las segundas de cambio. Y casi primeras, si se tiene en cuenta los chafarderillos títulos de crédito iniciales, en contraste con el número musical mosquitero de la anterior entrega (por cierto, la CÑÑ ya salía en “La hora chanante”). Para entendernos: lo que entonces era “El sulfato atómico” o “Moscú 80”, aquí es cualquier álbum coyuntural que el genial dibujante despacha últimamente a velocidad de vértigo y con calidad algo justa. Incluso el argumento del filme, con el runrún del calentamiento global, y otras cuestiones tan pilladas por los pelos como bautizar a un perro “virtual” Bush para poder llamar animal al inquilino de la Casa Blanca (te tira el Bardem, Miguel), así parecen corroborarlo. Hay gags y personajes de rocambolesca valía (esos villanos Botijola y Todoquisque) y Edu Soto bailotea en la levita de Mortadelo como un niño con zapatófonos nuevos, pero el conjunto pesa demasiado como para levantar el vuelo cual mariposa con bigote. Aunque, qué diantres, tampoco seremos tan mamelucos como para amargar el 50 aniversario a estos héroes nacionales de millones de infancias de ayer y de hoy.

"LA CRIATURA PERFECTA": 18 de enero de 2008

"La criatura perfecta"
Hay sangría
* (Una)
Director: Glenn Standring.
Intérpretes: Dougray Scott, Saffron Burrows.
Nacionalidad: Nueva Zelanda-R.Unido, 2006.
Duración: 90 minutos.
Género: Terror.
Mal presagio cuando una película da una patada en la espinilla del espectador a las primeras de cambio al escribir, en la parrafada introductoria, "harmonía" y quedarse tan pancha. Ya, sabemos que hay burradas ortográficas peores, pero feo, lo que se dice feo, queda un rato largo. Sin embargo, tal gazapo sirve para definir la naturaleza algo analfabeta de esta nueva aproximación "sui generis" al cine de vampiros, un subgénero que admite cualquier barrabasada que le echen: Dráculas negros, cócteles con Fu-Manchú o Billy el Niño y hasta dentelladas de Chiquito de la Calzada. Pero aquí el tal Standring se ha pasado tres pueblos al presentar a unos draculines, entre seminaristas y hadas madrinas, fuertemente jerarquizados en una Hermandad prácticamente vaticana. El invento, por supuesto, hace más aguas que una lancha neumática con un cargamento de erizos, y confirma que, en ocasiones, las consecuencias de ser más papistas que el Papa (valga la comparación) se pagan caro. Pecaremos de puristas, pero donde esté un buen ataúd, un traje de pingüino y una luna llena expresionista, que se quiten estas moderneces. Así las cosas, el pestazo a ajo no se va de la pantalla ni a tiros (con balas de plata, claro), a pesar de la siempre sugerente presencia de Saffron Burrows y la promesa de un look retrofuturista que, quitando los inevitables zepelines y un amago de televisión decimonónica, pronto se torna dickensiano y alcantarillero. Un poco de moralina prometeica y darwiniana, y a otra cosa. Menudo añito llevamos para la cartelera fantaterrorífica...

"ALIEN VS. PREDATOR 2": 11 enero de 2008

“ALIEN VS. PREDATOR 2”
Con dentadura postiza y tacatá
* (Una)
Directores: Colin y Greg Strause.
Intérpretes: Steven Pasquale, Reiko Aylesworth.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Duración: 90 minutos.
Género: Terror.
Hace tres temporadas, el avispado Paul W.S. Anderson juntó a dos iconos del fantástico en una película mala pero entretenida. Ahora, unos tales hermanos Strause han reducido los términos y les ha quedado una secuela mala a secas. Cual cruce entre “Temblores 4” y Rasca y Pica, vemos a los pobres Alien y Predator jugando al pilla-pilla en las cloacas de un pueblucho yanqui, mientras los aterrorizados lugareños citan a Kierkegaard o a Eco con frases como “¡Vamos a morir todos!” o “El gobierno nunca engaña, ¿verdad?”. Ni el “fichaje” Predalien rasca bola. Al asilo con estos ilustres abueletes, por caridad.

"LA SOMBRA DEL CAZADOR": 4 de enero de 2008

“La sombra del cazador”
** (dos)
Territorio mapache
Director: Richard Shepard.
Intérpretes: Richard Gere, Terrence Howard, Jesse Eisenberg.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Duración: 100 minutos.
Género: Aventura bélica.
Ahora que todo Hollywood anda levantándoles las faldas de acero a la guerra de Irak, aterriza como puede una película sobre la de Bosnia, conflicto atrincherado en la cara B del amigo americano. Una pequeña pirueta geopolítica que Richard Shepard convierte en piruleta de agridulce degustación al eludir el olor a carne fresca quemada (salvo en la escena clave) aunque no la viruela de tiroteos que pudre hasta las añejas instalaciones olímpicas de Sarajevo. Y es que, si en “Matador”, su anterior filme, fue capaz de convertir a Pierce Brosnan en un “facilitador de fatalidades”, ¿por qué no hacer del venerable budista Richard Gere un reportero-cazarrecompensas con vocación de Rambo justiciero, aunque su mayor heroicidad sea un “sinpa” en un bar montenegrino? Sin eludir los tópicos más gruesos tanto de la profesión periodística (pareja de curtidos veteranos, uno blanco y otro negro, acompañados por un meritorio recién salido de la Facultad de “Oxbridge”) como de la bélica (sanguinarios de tebeo y telediario, contrabandistas de la pandilla de Blancanieves y confidente apaleada pero con alma de miss), el filme funciona medianamente como una viaje al corazón de la mala baba étnica, tarea como es lógico demasiado compleja como para despacharla en un aspirante a “blockbuster” tardonavideño. Una credibilidad que cae en picado en el tramo final de la cinta, perteneciente a la sonrojante “hermandad del pis-pas cinéfilo” (y no desvelemos nada). Será eso a lo que se refería el plumilla que sufrió en sus carnes tal desatino: “únicamente las partes más ridículas de esta historia son verdad”. Pues “avanti” con la guerra del general Gila.

PELÍCULA DE 2007: "MEMORIAS DE QUEENS"

“Memorias de Queens”
El minuto de oro
Si extendemos plácidamente la memoria como si fuera un perfecto día privado de playa y dejamos desplegar sus tentáculos hasta que hagan cosquillas al estreno más recóndito del año, quizá obtengamos una recompensa parecida a la de amaestrar caracoles: lenta frustración. Aparte de que Hollywood ya no tiene quién le escriba, el cine hace tiempo que dejó de componer sinfonías compactas, gloriosas y redondas. Así que, entre los doscientos y pico estrenos, del medio millar largo del 2007, que nos hemos tragado más por obligación que por devoción, se salvan del pelotón de fusilamiento contados politonos y relámpagos: el tic salvaje de “El último rey de Escocia”, la ovación crepuscular de “Rocky Balboa”, la pelea sudorosa de “Promesas del Este”, la “iluminación” culinaria de Anton Ego al probar el “ratatouille”... Pero, entre todos, sobresale el minuto de oro del año: en realidad, ciento siete segundos de pureza emocionante, encima engarzada en medio de ese torbellino de cables pelados incontenible, callejero y brutal que Dito Montiel urdió para su ópera prima, “Memorias de Queens”. Por supuesto, hablamos del reencuentro inesperado y “veronés” entre el hijo pródigo venido a menos y su enamorada platónica llegada a ninguna parte. Poquísimas veces ha habido tanto tonelaje de sentimientos acumulados como entre los “hey” que se dedican Dito y Laurie a modo de saludo, o temblor de ocasiones perdidas como en el detalle de los dedos de Robert Downey Jr. (también portentoso en “Zodiac”) cuando le dice al chaval que conoce a su madre (Rosario Dawson, cada año más deslumbrante) desde que era “así” de pequeña. Casi no importa que el resto de la película sea un potente, aunque irregular (¿a quién narices le importa la regularidad? ¿A los ciclistas?), cóctel entre Spike Lee, William Wyler y Scorsese (ahora que a Marty le preocupa más ser como Hitchcock). Este fragmento vale casi la eternidad y un año de cine. Por lo menos, para mí. El resto, lágrimas en la lluvia, ya sabéis. Supera esto, 2008.

ESTRENOS INFANTILES: 21 DICIEMBRE 2007

PIPAS, CARAMELOS, GOMINOLAS Y PELÍCULAS
"El arca de Noé": ***
"Alvin y las ardillas": ***
"Cuentos de Terramar": ***
"Ángeles S.A.": *
"Pelotas en juego": *
"Piccolo y Saxo": **
El calendario no engaña: paralelamente a la proliferación de abrigos de liebre en los autobuses urbanos y revenidas croquetas de confraternización macroempresarial, las películas “para todos los públicos” copan la cartelera navideña, el balance taquillero de la semana y la parrilla de estrenos del viernes. El hecho de que ya haya superpoblación de cine gominolero (no confundir con el palomitero) con títulos variopintos como “La brújula doraada”, “Bee Movie”, “Mr. Magorium y la tienda mágica”, “Fred Claus”, “Donkey Xote”, “Encantada” y unos cuantos más no es óbice para que hoy entren en tropel media docenita más, casi atropellándose y dándose codazos en el hígado como chinitos en el metro en hora punta. Afortunadamente, el nivel es medio-alto (seamos benévolos, es Navidad), sobre todo en la acera animada.
Así, en primera línea de playa, o de diluvio, tenemos “El arca de Noé”, una simpática cinta de “dibus” 2D que reafirma la buena maña en el sector del argentino Juan Pablo Buscarini, a quien conocíamos por la rareza “Cóndor Crux” (pobretón pero honrado cruce entre “Ulises 31” y “Comando G” con aroma pampero) y por la coproducción “Pérez, el ratoncito de tus sueños”, uno de los éxitos de la debilucha cartelera española antes del “orfanatazo”. Con ecos innegables al Disney sesentero de “El rey de la selva” (cuyo espíritu también recuperó la fetén “El emperador y sus locuras”), la película es un más que apañado acercamiento a uno de los episodios bíblicos más espectaculares y peliagudos de plasmar con actores reales. Un trazo brioso a la par que sencillo y un guión que no carga las tintas anacrónicas y fotocopiadoras que, en ocasiones, se revuelven y devuelven con envenenado efecto bumerán (pensemos en “Donkey Xote”) hacen de ésta una propuesta perfecta para el disfrute de grandes y medianos. Destacamos las ingeniosas escenas divinas con un multirracial Dios enderezando los renglones de su “negro”, estampa que se rellena de poderío al considerar que el doblador celestial es un Alfredo Landa con nervio parecido al que tendría si le hubiese tocado Garci en el amigo invisible.
Y por vericuetos de la vida, uno de los actores que intervienen en una de las escasas producciones sobre el tema en Hollywood (“Noah's Ark: The New Beginning”) es la mejor baza “real” del siguiente estreno a comentar: “Alvin y las ardillas”. Hablamos de Jason Lee, icono gamberro de la pequeña pantalla gracias a su genial “Me llamo Earl”, algunas de cuyas migajas ruines (esa forma de birlar la cesta de magdalenas) se deslizan en esta película, adaptación casi preescolar de las correrías de un terceto cantarín que gozó de fama en la América sesentera y que fue rescatado en pedestre cartoon años más tarde. La película obliga al espectador “adulto” a atiplar su nivel de exigencia cinematográfica hasta niveles pitufadores, pero entre brincos animados en perfecta tecnología tridimensional, sobresalen algunos dardos contra la depredadora industria musical en la era youtubera, así como la siempre agradecida presencia de Cameron Richard y algún signo de buen gusto como el poster del “Time out of mind” dylaniano que preside la coqueta casa de Dave. El detalle, siempre el detalle.
Agazapadas en la cara B de las salas comerciales, también buscan su lugar en el “box office” otras películas como “Ángeles S.A.”, comedia musical a la mayor gloria de la niña cantante María Isabel (la de “Antes muerta que sencilla”) con un desinhibido Pablo Carbonell encarnando al ángel de la guarda de su cría. Chocante cambio de rumbo en la carrera de su director, Eduard Bosch, cuya ópera prima fue “El viaje de Arian”, potente crónica de la vida de una joven terrorista. Para espectadores con pelusilla en el bigote desembarca “Pelotas en juego”, desmadrada comedia en la línea de “Cuestión de pelotas”, “Patinazo a la gloria” o “BASEkeball” sobre un torneo de tenis de mesa en China que resulta ser la tapadera de una red criminal. Ojo a la presencia de un Christopher Walken cada vez más pasado de rosca. Para terminar, dos producciones más de animación: la también melómana y algo pixelada “Piccolo y Saxo” (presente en los festivales de San Sebastián y Gijón), y la reputada “Cuentos de Terramar”, fantástica adaptación del mítico “Ciclo de Terramar” de Úrsula K. Le Guin por parte de Goro Miyazaki, que ha heredado de su padre Hayao (autor de obras maestras del género como “El viaje de Chihiro” o “La princesa Mononoke”) el refinado talento y la desbordante clase de la mejor escuela de animación japonesa. En fin, un ramillete más o menos florido para contener a la chiquillería y muchachada unos cuantos días.

"FRED CLAUS": 14 diciembre de 2007

“Fred Claus”
** (Dos)
Siente a un canalla en su mesa
Director: David Bobkin.
Intérpretes: Vince Vaughn, Paul Giamatti, Kevin Spacey.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Duración: 116 minutos.
Género: Comedia navideña.
Nada más propiciatorio para alquitranar, emplumar y apalear con saña que la Navidad (bueno, quizá también Jorge Javier Vázquez, o eso le gustaría a él, para seguir haciéndose el mártir catódico y sansebastianesco, se entiende). Y, más concretamente, Papá Noel, protagonista de una tradición algo destripaterrones que se repite en la historia del cine desde W.C. Fields a Billy Bob Thornton, quienes, entre mil más, se le subieron a las barbas blancas con botazas enfangadas y claveteadas. Esta peliculilla va más allá, combinando dos de las realidades más escalofriantes de estas fiestas: la familia y el gordo vestido de rojo. Porque, en el fondo, “Fred Claus” es un “Código Da Vinci” que especula con el árbol genealógico del regalador universal patrocinado por Coca-Cola. Básicamente, con un hemano mayor calavera que se dedica a especular y trapichear, aunque se le adivina “un buen fondo” (quizá porque esté algo fondón). Así que el reto está servido: harto de que le pida siempre árnica, Papá Noel le propone a la oveja negra de la familia que le eche un cable en el Polo Norte en plena hora punta navideña. Los desatinos y tontunas están servidos, calientes cual castañas asadas y casi igual de indigestas.
Lo que más sorprende de este turrón blandito, coproducido por el propio Vince Vaughn (que, efectivamente, tiene una perfecta planta tarambana estilo “Aquellas juergas universitarias” de la que sigue viviendo años después) y dirigido por David Dobkin (también colega suyo desde “De boda en boda”), es su aglutinación de estrellas, algunas más o menos venidas a menos, pero la mayoría con un Oscar, o dos, en su zurrón. Por ejemplo, un Kevin Spacey cada vez más parecido a Manuel Manquiña en un rol de villano con tonsura, o una Rachel Weisz en el papel de novieta sufridora del maromo. Pero el que se lleva el premio gordo, nunca mejor dicho, es el gran Paul Giamatti, que se rebaja al nivel abisal de Tim Allen encarnando a un Santa Claus más desubicado y despistado que Gasol en la pizarra de Iavaroni. Si no fuera por la calefacción de algunos cines...

"LA BRÚJULA DORADA" Y "BEE MOVIE": 30 noviembre de 2007

“La brújula dorada”
** (Dos)
Narnia desorientada
Director: Chris Weitz.
Intérpretes: Nicole Kidman, Dakota Blue Richards, Daniel Graig.
Duración: 110 minutos.
Nacionalidad: EE.UU.-Reino Unido, 2007.
Género: Fantástico. Próximo miércoles 5, estreno.
El “efecto Krakatoa” que sobre el cine juvenil, familiar y aledaños ha obrado el binomio “El Señor de los Anillos” + “Harry Potter” tiene como principal consecuencia la búsqueda por tierra, mar, aire, cielo e infierno de similar material literario sensible de repetir el pelotazo franquiciado. Algunas veces la jugada sale redonda (“Las crónicas de Narnia”) y otras, paralelepípeda (“Los seis signos de la luz”). El último morlaco en saltar al ruedo es esta adaptación de la primera novela de la trilogía “La materia oscura” de Philip Pullman, una enrevesada saga con guiños a la física cuántica y a Milton o Blake cuyos renglones incendiarios han puesto de los nervios a algunos grupúsculos ultracatólicos, que, vía internet, se han lanzado a criticar la adaptación cinematográfica haciendo gala de un nivel de información tan elevado que hasta se han sacado de la manga la intervención de Kevin Bacon en la película (igual estaba disfrazado de la guadianesca liebre mascota de Sam Elliott). Por supuesto, ni una gota de tal sangre “satánica” llega al río de la gran pantalla, porque “La brújula dorada” no es más que un entretenimiento inofensivo y algo bobo repleto de bichos parlanchines (los “daimonions” de marras) y niños con acentazo británico y cara de comadreja. También se intuye algo más profundo y casi metafísico, que justifica los fichajes de Derek Jacobi, Christopher Lee o Daniel Graig, pero mucho nos tememos que se reservará para la segunda o tercera parte, donde la trifulca de mundos paralelos y el golpe de estado al Magisterio quedan más patentes. Así, tras una primera parte donde se echa en falta, precisamente, una brújula narrativa, asistimos a un a veces vistoso cruce entre “Los Goonies” y “La ciudad de los niños perdidos”, con highlights como la pelea entre los osos acorazados o la no menos sobrenatural cara que se ha fabricado Nicole Kidman, el mejor efecto especial de la insulsa velada.

“Bee movie”
*** (tres)
Golosa colmena
Directores: Simon J. Smith y Steve Hickner.
Voces originales: Jerry Seinfeld, Renée Zellweger, Chris Rock.
Duración: 90 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Género: Comedia animada.
Un curioso cruce de sensaciones a priori le parte la jeta a esta película: por un lado, estábamos ansiosos de ver currar a Jerry Seinfeld. Por otro, estábamos ansiosos de ver jubilarse a las películas sobre insectos. Claro que cada punta de flecha tiene su reverso: a falta de “Seinfeld”, buena es su versión calva (“Larry David”) y, qué demonios, los dibus invertebrados no estaban nada mal, incluso “Ant Bully”. Encima, desde “La abeja Maya” no habíamos metido la nariz en una colmena tan dicharachera, por lo que la balanza de “Bee movie” se inclina hacia la sana expectación de disfrutar de, posiblemente, la última perla animada de un año histórico para el género (esto ya lo habíamos dicho alguna vez, ¿no? Pues aún queda una ocasión más antes de las uvas). Como suele suceder en las últimas producciones 3D, el arranque es brillante, espectacular y “tiovivesco”, agarrándonos por las orejas y metiéndonos hasta las cejas en el panal de rica miel cartoon representada por una fábrica que haría las delicias de Tim Burton. A continuación, y ya con el jersey amarillo y negro bien pegado al cuerpo del espectador, se opta por un raíl también previsto: la desubicación espacial y accidental del protagonista en plan “la ciudad no es para mí”. Pero cuando ya nos temíamos que el tren iba derechito al igualmente telegrafiado romance imposible entre mini-bestia y bella (encima, florista), el aguijón de Seinfeld y sus guionistas da un giro inspirado y algo desconcertante, con la demanda de la comunidad abejil contra los negreros granjeros apícolas, que proporciona momentos descacharrantes y anacrónicos (sin abusar de la “shrekitis aguda”) como las intervenciones de Sting, Ray Liotta o el clon himenóptero de Larry King. Un desenlace algo precipitado no enturbia esta hora y media de diversión golosa y chisposa, con esmerada animación facial y un buen trabajo doblador de Arturo Valls y María Adanez. “Be bee, my friend”.

"ENCANTADA": 23 noviembre de 2007

“Encantada. La historia de Giselle”
** (Dos)
Princesa sin sorpresas
Director: Kevin Lima.
Intérpretes: Amy Adams, Patrick Demsey, Susan Sarandon.
Duración: 107 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Género: Cuento de hadas.
Ya resuenan los timbales y cañonazos del zafarrancho navideño, y hoy dos de los pesos pesados desembarcan su artillería para golpear antes que nadie. Encima, con el ADN radicalmente opuesto, para que el pastel se reparta sin guerra de migas de pan en la mesa. Por un lado, la ultra-animación de “Beowulf” y, por otro, este entrañable retorno al 2D que, en realidad, se queda en un amago de los de irás y no volverás. Por algo el director de “Encantada” es Kevin Lima, uno de los cerebros de “La sirenita”, cuyo estilo se desparrama por todo el metraje de esta película, no solo en su esquina “cartoon” sino en su solomillo “de carne y hueso”. De hecho, Amy Adams parece que se ha dejado la falda de escamas y el bikini de conchas en la taquilla antes de mutilar cortinajes para tejer sus vestidos principescos de la señorita Pepis. Amy Adams... ¿dónde hemos visto antes a esta moza? Efectivamente, como preñada disfuncional en la excelente e indie “Junebug”, papel que le llenó el cesto de premios y laureles. Esto, y ver a Susan Sarandon como magnífica bruja casi cyberpunk (y mediocre dragona “kingkoniana” en sus ratos libres), son dos de las sugerentes sorpresas de este eficaz e inofensivo (por lo antiparódico que resulta, aunque lance alfileres “antimusicalistas”) producto mazapanero que Disney ha elegido para lanzarse a la carrera taquillera invernal. Un giro “infantil” que contrasta con la alta costura “adulta” de su obra maestra veraniega: “Ratatouille” (con buen ojo, ya en DVD, así que todos contentos). Unos apropiadísimos Patrick Dempsey como viudo padrazo, James Marsden como príncipe “goofyniano” adicto al zapeo y Timothy Spall como escudero ratonero completan una simpática fabulilla a la que la mismísima Julie Andrews pone el lazo en off. La familia, esa gran y generosa institución...

"LA LUNA EN BOTELLA" Y "LA PROMESA": 16 noviembre 2007

«La promesa»
** (Dos)
«Cebatil» oriental
Director: Chen Kaige.
Intérpretes: Dong-Kun Jang, Hiroyuki Sanada.
Duración: 100 minutos.
Nacionalidad: China, 2005.
Género: Acción fantástica.
Hace casi tres lustros, Chen Kaige puso una importante pica en Flandes al ganar la Palma de Oro en Cannes por «Adiós a su concubina», espolón de proa del renacimiento del cine oriental que, tras múltiples vericuetos, sigue en plena forma hoy día. Dos de los caminos más jugosos son el «pegón antigravitatorio», consagrado por Ang Lee en «Tigre y dragón», y el «pincel multitudinario» instaurado en «Hero» por Zhang Yimou, compañero de quinta de Kaige. Y de ambos ha bebido hasta las trancas en «La promesa», aunque el vuelo romántico del argumento (la epopeya de una mujer que de niña hizo un pacto con una hechicera para convertirse en princesa a cambio de renunciar al amor) tiende lazos con «La maldición de la flor dorada». Pero la auténtica chicha (ruborizada) del filme remite a videojuegos destroza-pulgares como «Dinasty Warriors» o pasotes pulps como «Zu Warriors» (ojo a la escena de los búfalos), aunque intente disimular con guiños a «La dama de Shanghai» con mobiliario autóctono. Un culebrón pastichero pero simpático.


«La luna en botella»
** (Dos)
No al no
Director: Grojo.
Intérpretes: Edu Soto, Bárbara Goneaga, Dominique Pinon.
Duración: 90 minutos.
Nacionalidad: España, 2007.
Género: Comedia.
A pesar de la sinonimia onomatopéyica de su nombre de guerra, este Grojo no parece presumir de «método» alguno (ni el Grönholm de marras, claro). Al menos, en su primer largometraje, liviano como una ópera bufa y profundo como un escritor en huelga de musas caídas. Justamente esta última imagen es el leiv motiv de la historia, mero epicentro argumental sobre el que se van levantando nubes concéntricas y de desigual suelo, ora movedizo, ora firme. Un «negro» con el alma muy blanca (encantador Edu Soto) acepta un nuevo encargo alimenticio y especialmente humillante para sus aspiraciones literarias reales. Así, se encierra, portátil en ristre, en un café con olor a magia y revolución que le monta un aquelarre circense de aúpa. Con innegables encantos y cantos de sirena cinéfilos (desde la acumulación gozosa de Jeunet al costumbrismo mágico de Neville), Grojo nos invita a echar una moneda de níquel en el adivino-autómata con turbante y bigotito que es su película. A algunos les sonreirá la «buenafortuna» y se dejarán llevar por la danza bohemia que llena la pantalla, y a otros les parecerá una mamarrachada, aunque feliz. Riesgos de poner la cámara a un palmo del suelo. Pero ni el cine ni los sueños están hechos para los cobardes.

"EL HOMBRE DE ARENA" Y "LA TORRE DE SUSO": 9 de noviembre 2007

“El hombre de arena”
El loco que las vuelve locas
** (Dos)
Director: José Manuel González.
Intérpretes: Hugo Silva, María Valverde, Irene Visedo.
Nacionalidad: España, 2007.
Flaco favor haría a esta película caer en la cuenta de que las de locos (sobre todo esa que todos estamos pensando) quedan más desfasadas que los cascos con espumilla protectora color naranja. Aunque conviene matizar. Porque, igual que los neurasténicos de “28 semanas después” no eran zombis sino infectados, muchos de los tarados que espantan moscas en este filme son desocupados, lilas o destripaterrones que cayeron en el cazamariposas frenopático de la Ley de Vagos y Maleantes tan en boga en la España de los 60. O vulgares buscavidas, como el protagonista, que sobre el terreno no luce esa “demencia genial” con que le pinta el tráiler, y eso que es carpintero, barbado y casi crucificado. Por supuesto, no caben aquí simbologías iluminadas ni rayajos neorrealistas y pasolinianos, ya que el debutante González intenta asir con camisa de fuerza una historia de amor (fou, naturalmente) que evoluciona algo lastrada por los actores que la viven dentro de la pantalla: un Hugo Silva con eterno gesto de estar citando a la vaquilla en una capea, y una María Valverde descalza y con morritos de dormir doce horas. Por suerte, junto a la fugacísima Ana Torrent, los solventes Irene Visedo y Alberto Jiménez logran elevar el conjunto con su otro “bloque temático”, el de denuncia de la situación psiquiátrica en aquellos oscuros años. Propósito que se casi se disipa al toparnos con la cruda realidad de la secuencia cumbre promocional: la que gratuitamente muestra el enjuto y mojado culo del de los hombres de Paco. Si es que hay cosas que no cambian.

“La torre de Suso”
Qué bonita es la amistad
** (Dos)
Director: Tom Fernández.
Intérpretes: Javier Cámara, Malena Alterio, Gonzalo de Castro.
Nacionalidad: España, 2007.
Nuevo y meritorio (algo menos que otros, pero ya se sabe que no todo el monte es orégano) pistoletazo de salida para la carrera de un director español, sin duda la mejor noticia que le puede caer en suerte a nuestra industria, o gremio, o corrillo, o lo que sea. Principalmente por un doble motivo: no hay ni medio componente sobrenatural en sus cien minutos de duración (no es por nada pero tampoco conviene cebar a la gallina de los huevos de oro, que nos conocemos), y no mete codazos al espectador ni un diálogo acartonado, panfletario o engolado, pese a que la localización escogida por Tom Fernández (una Asturias con diversas osteoporosis sociales, incluyendo la jugosa crisis minera) se presta al juego. Es más, quizá “La torre de Suso” podía haberse grabado con las ya viejas técnicas del Dogma 95, de tanta campechanía y camaradería que asoma en la superficie, mientras que en las vetas más profundas reposa el fracaso amargo que viven los protagonistas, cuatro cabezas de avestruz a los que no les queda más remedio que desenterrar el orgullo para homenajear a su amigo muerto, aunque sea con cuatro palos haciendo el pino. Escenas inspiradas (todas las de Emilio Gutiérrez Caba y la mayoría de las de Javier Cámara, y eso que no se pierde ni un fotograma), y otras estiradas y poco naturales (el puchero estampado materno o las embarrancadas relaciones sentimentales de los protagonistas) cuajan un debut bien escanciado, aunque con algunos posos de corcho en el fondo. Como a los amigos, se le perdona la torpeza.

"LOS TOTENWACKERS": 2 de noviembre 2007

«Los Totenwackers»
Chuche-ficción
** (Dos)
Director: Ibon Cormenzana.
Intérpretes: Jasper Harris, Geraldine Chaplin.
Nacionalidad: España, 2007.
Ahora que el cine español se ha dado cuenta de que lo suyo es meter miedo, se crece y hasta atreve con un subgénero que ha provocado históricos escalofríos: el infantil. Tampoco quedan tan lejanos los tiempos de verrugas como «Buenas noches, señor monstruo» o diviesos como «Los nuevos extraterrestres», y eso que al «fantástico imberbe» le ha venido que ni pintada la llegada del tío Harry Potter con las rebajas. Aunque el modelo adoptado por Cormenzana es el de «Los cazafantasmas», cuya sombra se proyecta en esta aventurilla de niños discretamente repelentes, espectros de anís (tremenda Terele Pávez con la mascarilla color pistacho), efectos especiales gominoleros, Celso Burgallo en plan Igor y Geraldine Chaplin a los postres. Eso, y la sempiterna moraleja: los padres ni hacen caso a los cachorros ni se enteran si lo intentan. Inofensiva y entretenida, supongo. Aunque si no sale para la PSP o la Nintendo, no sé yo...

"INVASIÓN": 26 de octubre 2007

“Invasión”
Menuda vaina
** (Dos)
Director: Oliver Hirschbiegel.
Intérpretes: Nicole Kidman, Daniel Graig.
Duración: 100 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
“Advierto que esta historia está llena de cabos sueltos y sin un desenlace al uso, donde todo deba quedar resuelto y explicado satisfactoriamente”. Aproximadamente ese era el arranque de “The body snatchers”, primera novela en cruzar el umbral entre ciencia-ficción especulativa y terror moderno (ahora editada en castellano por Bibliópolis). Si Jack Finney la reescribiera hoy, este principio sería bien distinto, ya que el público lo exige todo mascado y sin un grumo o trozo a medio cocer. Quizá por eso el héroe cómico de antaño era Groucho y el de ahora, el taradito McLovin de “Supersalidos”. Evolución natural y neuronal. Así, el resultado de pasar una de las historias más impactantes y poliédricas del género por la turmix del Hollywood actual es tan evidente como frustrante. Y eso que el principio, con la amenaza alien montada en meteorito, podría interpretarse como homenaje a la también genial “El experimento del doctor Quatermass”, pero pronto se ponen las cartas sobre la mesa: el renovado canto a la gran paranoia americana, la subtrama familiar disfuncional (quizá tomada de la floja versión de Ferrara), el discurso políticamente correcto del diplomático ruso (¿guiño a la Guerra Fría que calentó el estreno en 1956?), la trepidante persecución tipo “La jungla de cristal 5” y, en fin, un desenlace “cobardica” y feliz donde no falta una alusión a la guerra de Irak, quizá porque el director es alemán (Oliver Hirschbiegel, experto en claustrofobias variadas). Y pensar que a Don Siegel le bastaron dos capotazos (el infectado sin huellas dactilares o el beso entre Becky y el doctor Miles) para subirse a los altares del género... Eso sí, tiene gracia ver a Kidman en el reverso de su papel en “Las mujeres perfectas” y con la misma expresión suiza de los McCann. ¿A ver si en el fondo va a ser verdad eso de que “vienen a por ti. Y a por ti. Y a por ti”...?

"SUPERSALIDOS": 19 de octubre 2007

"Supersalidos"
* (Una)
Apología del capullo
Director: Greg Mottola.
Intérpretes: Jonah Hill, Michael Cera, Seth Rogen.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Duración: 114 minutos.
Algún día, dentro de muchos años, tal vez nuestros tataranietos vean un Nobel de Física negro, un premio Planeta antimediático o hasta una conductora que se pare sin titubear en un paso de cebra (o una asociación feminista con sentido del humor). Lo que es prácticamente imposible es que exista una raza superior de adolescentes que se libre de su mayor estigma, incrustado en su código genético: ser unos pringados. Hollywood, en su infinita generosidad, nos lo viene recordando desde hace décadas y con total coherencia intrínseca. Si los muchachos no pueden salir del atolladero hormonal, ¿para qué disimularlo e innovar? Como mucho, la Disney les pone un musical y tan contentos. Así, la renovación cíclica del mito del "teen" tarado pisa el siglo XXI igual que sucedió en su día con Biggs, Belushi o hasta Sal Mineo (que en el fondo era un lila). Así, cargando más hacia el cine de Danny Leiner (ya quisieran...) que a su padrino "American Pie", y no digamos "Napoleon Dynamite", el filme presenta a un trío de botarates arquetípicos (el gordo, el subnormal y el nenaza, todos con ligero toque de Enjuto Mojamuto para marcar etapa virtual) con sus gags guarretes sobre sangre menstrual donde, curiosamente, funcionan más las tontunas de la "generación posterior" de perdedores (los treintañeros del guateque o los polis) que las propiamente zangolotinas. Quizá por eso en la Facultad de Ciencias de la Información, donde se proyectó para la prensa, solo se oían risas aisladas y nerviosas. A nadie le hace gracia que le recuerden que de mayor también será un capullo.

"NOCTURNA": 11 octubre 2007

“Nocturna, una aventura mágica”
¡Esa luz!
*** (Tres)
Directores: Víctor Maldonado y Adrià García.
Voces: Imanol Arias, Carlos Sobera, Natalia.
Duración: 80 minutos.
Nacionalidad: España, 2007.
Aunque parezca “intrascendente”, sobre todo en la semana en la que se estrena la última esperanza blanca taquillera nacional de 2007, al cine español le hacía falta, aparte de un bigote (que diría Summers) una bengala para seguir demostrando que la animación también se escribe con eñe. Porque este año, si no nos fallan las cuentas, hemos tenido raciones de “dibus” franceses (“Azur y Asmar”), alemanes (“Rebelión en la isla”), japoneses (los “Doraemon” y “Shin Chanes” de marras), por supuesto americanas, y hasta surcoreanas (“Movida bajo el agua”) y del planeta Springfield. Pero, ¿y españolas? Ecos del “Ratoncito Pérez” de la temporada pasada, un mísero cuenco de panchitos (“Gritos en el pasillo”) y seguir soñando con los anhelados estrenos de “Donkey Xote” y “Planet One”, que pueden suponer un punto y aparte en el género (ojalá los gallegos de Dygra no se desinflen tras el pinchazo de “El sueño de una noche de San Juan”).
Y estas que llega, sin hacer mucho ruido y con nocturnidad y hasta alevosía, un fabuloso y muy cuidado proyecto de la factoría Filmax, otra de las empresas (junto a Barton Films) que dedica especial mimo y atención al tema. Una luciérnaga francotiradora obra y gracia de un par de directores “juanpalomos” que han sabido aunar universos tan aparentemente dispares como los cuentos de Andersen y Grimm y la animación nipona del gran Hayao Miyazaki. Porque, salvando las insalvables distancias, algo tiene de “El viaje de Chihiro” esta epopeya de un niño (que también entra y sale fantasmalmente de un orfanato, mira tú por dónde) rastreando el destino de las estrellas menguantes del firmamento. Un argumento que sirve de alfombra de terciopelo negro para desarrollar una excelente escenografía nocturnal, con diseños de un onírico art-decó y, sobre todo, grandes dosis de imaginación casi poética, como los hallazgos de “las despeinadoras”, el pastor de gatos o los pingüinoides encontradores. A pesar de su modestia y algunas zonas oscuras, se hace muy fácil disfrutar de esta película con las ventanas de la infancia abiertas de par en par, esas por las que a veces entran cataratas de aire fresco y magia clásica. Esperemos que no se cierren de golpe ni nos cortemos con los cristales hechos añicos.

"LOS HERMANOS SOLOMON": 5 de octubre 2007

“Los hermanos Solomon”
Cero
Véanla, olvídenla
Director: Will Odenkirk.
Intérpretes: Will Arnett, Will Forte.
Duración: 90 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Algunas películas deberían donarse a la ciencia, bien frenopática, bien sofrológica. Porque aquí se dan ambas virtudes teóricamente opuestas: por un lado, te inyecta en el cogollo cerebral unas ganas irresistibles de asesinar a alguien y, por otro, te lanza a surfear plácidamente por una lámpara de lava gigante, ajeno a todo, profundamente idiotizado, feliz. Los artífices de este despropósito patadadaísta son dos cómicos con cierto prestigio en Estados Unidos, y quizá haya que nacer en Dakota del Norte para entender sus gracias prenatales alrededor de la barriga de una pobre madre de alquiler contratada para sacar del coma al padre de los hermanitos. Humor absurdo es Ionesco o Milonakis. Esto es una soberana hez.

"MATAHARIS" Y "LA EXTRAÑA QUE HAY EN TI": 28 de septiembre 2007

"La extraña que hay en ti"
*** (Tres)
Una de brava
Director: Neil Jordan.
Intérpretes: Jodie Foster, Terrence Howard.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Duración: 120 minutos.
Ah, los videoclubes-ultramarinos ochenteros, ese mítico portal cinéfilo interdimensional con olor a sopa de tortuga. Quizá la estantería más gloriosa era la de pelis de acción justiciera, plagadas de carátulas sobresaltadas con los carrillos letales de Ginty y el pedernal infinito de Bronson. Por supuesto, y aunque se empeñasen en lo contario, casi todas eran más neonazis que el cumpleaños de Hitler, pero nos lo pasábamos pipa machacando al Betamax con maratones de moratones y frases escupidas junto a un par de muelas sanguinolentas. Y ha tenido que ser el heterodoxo dublinés Neil Jordan quien devolviese al mundo de los vivos aquellos templos aceitosos. Sin embargo, más que tirar por la calle del western urbano de "El exterminador" o "El justiciero de la ciudad" (padrino del subgénero, por delante de "Harry el sucio"), ha optado por vericuetos menos transitados (por algo es "autor") estilo "Ángel de venganza", de Ferrara o hasta "La novia vestía de negro", de Truffaut. En vez de echarse a las espaldas el inoperante sistema judicial, Jordan presenta una patología de Jeckyll y Hyde que crece en las entrañas de la amedrantada protagonista, una locutora radiofónica que sufre un brutal ataque callejero. Una cuerda floja, aunque tensa, difícil de transitar sin caer en trastabilleos éticos, algo que casi consigue hasta que llega el tramo final, de peligrosa lectura cómplice policial y paralela. Pero, si nos ceñimos al thriller puro y duro, la factura es espléndida, con una gran Foster habituada a emociones fuertes y que aquí, tres décadas después, se sube a la cabina de "Taxi Driver" en el asiento de conductora.

“Mataharis”
Pegar la oreja
*** (Tres)
Directora: Iciar Bollain.
Intérpretes: Nuria González, Najwa Nimri, María Vázquez.
Nacionalidad: España, 2007.
Duración: 95 minutos.
De lo mejor que se puede decir de esta película (de la que se han dicho bastantes cosas, y tonterías, estos días) es que parece una de Gerardo Herrero pero en bueno. Lo que conduce a su pega más notoria, esa especie de amago genérico que pone en los labios del espectador: de acuerdo que no es un filme de espionaje (aunque enlaza con cierto “polar” chabroliano), pero quizá alguien se sienta “traicionado”, o decepcionado, al ver cómo brilla por su ausencia el exotismo en su salsa laboral de un trío de detectives con faldas, caramelo ofrecido desde el título de la película, ese sí, de tirón comercial. En vez de eso, Bollain juega a que seamos nosotros quienes observemos “corralamente” las cotidianas y bien narradas vidas de las sabuesas, marcadas por fracasadas y a veces burdamente tediosas (el extremo marido del personaje al que da vida una fabulosa Nuria González) relaciones sentimentales y/o laborales (ese matiz sindicalista a lo, ejem, “El principio de Arquímedes”). Mullido (y caro) colchón en vez de cama elástica, para tumbarse en vez de saltar. Puro cine español, en fin.

"SALIR PITANDO", "¿Y TÚ QUIÉN ERES?" Y "SIN RESERVAS": 21 de septiembre de 2007

"Sin reservas"
** (Dos)
Fast food coqueto
Director: Scott Hicks.
Intérpretes: Catherine Zeta-Jones, Aaron Eckhart, Abigail Breslin.
Duración: 105 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Son tan evidentes las similitudes entre cocina y enamoramiento que no es de extrañar que en innumerables comedias románticas haya perolas y fogones de por medio. Scott Hicks, un ugandés (de nacimiento) blanquísimo y con melena lacia, también lo sabe, aunque para no pillarse los dedos opta por recalentar un remake de "Deliciosa Martha", una de las primeras muestras del "renacimiento" del cine alemán en este siglo. Pero nada de ponerse exquisito ni nosferatuniano en plan Anton Ego, ya que "Sin reservas" es sencilla pitanza sabrosona para paladares a los que no les interesen las deconstrucciones ni hidrogenizaciones culinarias a la hora de matar el gusanillo del sábado en una sala de cine. Fast food medianamente nutritivo, en fin, guisado en torno a la relación entre una estirada chef, a la que le cae del guindo de la vida una sobrinita (no tan cría Breslin), y un cocinero rockero, aunque le mole Puccini. No falta ni un ingrediente básico en la sartenada: lenta cocción sentimental favorecida por lo encantador y moderadamente rebelde del mozo, punta de tocino dramático aliñada con un score al coñac de Philip Glass, profiteroles de pasión controlada, chocolateada y apta para todos los públicos... Y si el melón hace migas con el jamón, ¿por qué no la british azabachada Zeta-Jones no iba a lograr química con calzador con el vaquero espumoso Aaron Eckhart? En el amor y en la cocina de mercado todo es posible. Lo mejor, esas pinceladas musicales de Paolo Conte que recuerdan las de Louis Prima en "Big Night", quizá la mejor película gastronómica en años. Pero eso fueron dos estrellas Michelín. Esto, un restaurante coqueto con mantel a cuadros.

"Salir pitando"
** (Dos)
Pachanga quijotesca
Director: Álvaro Fernández Armero.
Intérpretes: Guillermo Toledo, Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre.
Duración: 95 minutos.
Nacionalidad: España, 2007.
Cuando el pavo está muerto, se le puede rellenar de casi todo: videojuegos, libros basura, colecciones de cromos, muñecas bratz o hasta errores arbitrales. Por ejemplo, el del asistente de Mejuto en aquel Zaragoza-Barça que, ante un garrafal binomio de penalti+expulsión, propició una frase mítica en los ambientes futbolísticos: "¡Rafa, no me jodas!". Qué belleza en la prosa, qué contundencia en el mensaje. Evidentemente, tal prodigio merecía una señora comedia como la que ha perpetrado Álvaro Fernández Armero, aquel chico al que agradecer eternamente la fulgurante carrera como actor de Coque Malla y que, desde el final conquense de su refrescante "Todo es mentira", demostró que lo suyo son las road-movies. Por algo su anterior trabajo fue un documental asfáltico-laudatorio de Ángel Nieto, e incluso el título de este largo podría servir como definición pedestre de tan recurrido subgénero. En este caso, el mensaje también es el medio, y viceversa, ya que, hasta que llega el célebre exabrupto (por supuesto, el juez de línea protagonista se llama Rafael), había que inventarse una historia, más que nada para llenar minutos.
Así, para no traicionar el entrecejo ibérico y evitar caer en el error de "Matías, juez de línea" al confundir Ealing con españolada (en el buen sentido), se optó por un cambalache de cuernos que demuestra lo endogámico y humano de esta profesión: véase, la ex mujer del árbitro se lía con el linier y ya tenemos conflicto hasta el pitido inicial del partido-highlight final. El peloteo no encierra pasión ni malicia, manteniéndose el balón vivo gracias al talento de Javier Gutiérrez y Guillermo Toledo, tal vez los comediantes más en forma del cine español actual. Así, situaciones patosas se alternan con regates pillos, lamentando cosas como que el "mister" haya lanzado un caño sobre el microcosmos de la familia flamenca de Rafa, que merecía más juego en profundidad. En fin, una pachanga eficaz como un promocional de Melendi, al que tampoco vamos a pedir ser el nuevo Lennon, ¿verdad? Pues lo mismo con esto.


"¿Y tú quién eres?"
** (Dos)
Alegre muchachada
Director: Antonio Mercero.
Intérpretes: Manuel Alexandre, José Luis López Vázquez, Cristina Brondo.
Duración: 100 minutos.
Nacionalidad: España, 2007.
Quizá Bergman hiciera la película perfecta sobre el mal de Alzheimer, una carcoma pavorosa que hace realidad la máxima de Bart Simpson: multiplícate por cero. Pero como don Ingmar ya está criando malvas, la patata caliente le ha caído a Mercero y a ese eterno abuelete entrañable que es el gran Alexandre. Sin embargo, giremos la perspectiva y concentrémonos en el otro "viejuno": López Vázquez, que sufrió el "reverso tenebroso" merceriano. Porque, si antes a los "estorbos sociales" se les metía en una cabina directos al vertedero humano, ahora se les ingresa en una "euro-super-residencia" mientras su nieta ex opositora se desvive y sacrifica. Sin dramas ni penas ni olvidos. Solo una cantada desaparición callejera y el escalofrío de una anciana hablándole a un carrito sin "bicho" dentro. Ficción blanca y prolegómana en vez de denuncia, opción respetable pero discutible ante la magnitud de tal tragedia cotidiana. Hoy en día, Chanquete se habría recuperado del susto en una clínica privada y trabajaría en un taller jardinero. Corrección ante todo.

"SOÑAR NO CUESTA NADA": 14 septiembre de 2007

“Soñar no cuesta nada”
La lotería científica
** (Dos)
Director: Rodrigo Triana.
Intérpretes: Diego Cadavid, Verónica Orozco.
Nacionalidad: Colombia, 2006.
Duración: 100 minutos.
Hay cinematografías “dandys” a las que el frac y el sombrero canotier les sientan como un guante, y otras en permanente estado de guerrilla que no se quitan el chándal de camuflaje y las correas de munición cual longanizas colgantes ni para irse al sobre. Evidentemente, Colombia se enmarca en este segundo batallón desde hace tiempo. Y eso que cineastas como Cabrera, Gaviria u Orozco y actrices como Catalina Sandino Moreno avanzaron un tímido renacimiento que, por culpa de una polémica ley de cine (sí, allá también, no íbamos a ser los únicos, ¿verdad?) se ha quedado menguado y ninguneado. Por eso, en un país-polvorín que apenas estrena ocho piezas de producción propia al año, la existencia de “Soñar no cuesta nada” (más significativo no puede ser el título) adquiere las hechuras de pequeño terremoto revolucionario. Un millón doscientos mil espectadores (quién los pillara este año, ¿eh?) pasaron por taquilla para toparse con la picaresca historia “basada en hechos reales” de un puñado de soldaditos que, en plena selva minada, se encontraron con 46 millones de dólares crujientes. Es de suponer el oleaje de suspiros de envidia colectiva de cada patio de butacas de cada cine colombiano donde se proyectó el filme que, además, rozó el Goya “latino” este año.
Una cercanía cómplice y casi de “Berlanga de la jungla” que es la mayor aliada de la película durante casi toda su eslora, exceptuando su prólogo y su epílogo más “a ras de suelo social y humano”, por así decirlo. Así, es sencillo cogerle cariño a esta pandilla de “pelaos” a los que sabemos que su sueño crematístico durará exactamente lo mismo que el metraje de la cinta. Simpáticos perdedores que sólo ansían sueños tan mundanos como retirar a una prostituta de celofán, comprarse un traje de lino fino o emborracharse con el aroma de tapicería de todoterreno recién horneado. Al margen de estos codazos y “cantinfladas” (a veces se echa en falta algunos subtítulos para entender tanta jerga de campaña), el filme se limita a dar vueltas concéntricas a esta anécdota, con combustible generoso pero con pocos avances o picados. El resultado es una historia envuelta en moraleja de cuento, con final agridulce pero justiciero. De todas formas, una agradable vitamina ante tanto estreno “del primer mundo” con la tensión por los suelos.

"MOVIDA BAJO EL MAR": 7 de septiembre 2007

“¡Movida bajo el mar!”
Pececillo sin espada
**(Dos)
Directores: Howard E. Baker, John Fox y Kyung Ho Lee.
Duración: 77 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2006.
No anda el acuario animado precisamente para chiquitas y pezqueñines este verano. Obras maestras como “Ratatouille” y dibus fetenes como “Locos por el surf” o “Los Simpson” hacen que cualquier grumete novato pueda acabar tan churruscado como un boquerón en una colonia de anguilas y medusas lampareras. Por eso, ir de modesto y sin sobredosis de agallas suele ayudar. Tal es el caso de esta producción de extraña génesis (productores americanos y coreanos en un mismo tanque) y aún más improbable presencia multivocal estelar (Rob Schneider, el cochambroso ideólogo de la “nariz-eyaculatoria” de “Gigoló europeo”) que, ya en sus primeras brazadas, le tiende una aleta a su hermano mayor “Buscando a Nemo” con un pececillo súbita y doblemente huérfano. Aunque pronto el barco gira hacia otras aguas conocidas: las de “El espantatiburones” dreamworksiano, o hasta bucee por arrecifes más ilustres, pues sus creadores se fijaron en westerns cincuenteros estilo “Cazador de forajidos” o “Raíces profundas” a la hora de armar su meollo argumental. Tampoco hacía falta bajar tan hondo para una solidaria y “mensajera” historia de pescaditos buenos merendándose a depredadores malos (con la ayuda de los superdepredadores humanos), con entrañable escasez de guiños y sarcasmos (no sabemos cómo interpretar el que el tiburón villano señale que es “más famoso que Charlton Heston”) y, eso sí, una riqueza de escenarios acuáticos tan generosa como pobretona la animación “antropomórfica” de la fauna marina (esa morsa con cara de mariscal Bismarck es de traca). En fin, un bocado tierno y ligero para animar la traumática vuelta al cole de los peques más peques.

"UN BUEN DÍA LO TIENE CUALQUIERA": 10 DE AGOSTO 2007

“Un buen día lo tiene cualquiera”
***
El honor de los Perdulí
Director: Santiago Lorenzo.
Intérpretes: Diego Marín, Juan Antonio Quintana, Ana Otero.
Duración: 95 minutos.
Nacionalidad: España, 2007.
Desmarcándonos de “Blade Runner”, incluso en el aniversario de Dick, algunas lágrimas no se las llevará la lluvia del tiempo. Por ejemplo, las que derramaba mansamente mi vecino de butaca mientras, en la gran pantalla, un pobre crío palentino era fusilado a balonazos por sus compañeros de clase. Ni cuando la masa de filmotecos aplaudía el número estrella de “Cantando bajo la lluvia” había contemplado semejante comunicación, casi comunión, entre una película y el menudillo del alma de un espectador. Tal milagro lo obró “Mamá es boba”, una pieza rara y ensortijada, tan secreta e íntima que casi da cosa desempolvarla de la memoria. Diez años más tarde, en plan Malick o Erice (ni media risa), su autor regresa con otra criatura más sonrosada y sin el raquitismo de medios y ánimos de su ópera prima. Antes que nada, no viene mal recordar que la comedia española ha dado un vuelco importante desde 1997: aquella era la edad de la inocencia, sin Torrentes, telerisas churreras, humores inteligentes o factorías “adultas” como, curiosamente, la que produce “Un buen día lo tiene cualquiera”: Telespan 2000. Así, podría pensarse que el vídeo mató a la estrella de la radio, pero de eso nada, monada (de hecho, Cimadevilla ya financió “Mamá es boba” desde Trastorno Films). Porque Lorenzo ilumina esta historia con luz tan cruda como la anterior pero menos descarnada, quizá porque aquí casi todos los personajes son directamente unos miserables. El patético treintañero opositor, su amigo calvo vivales, el anciano egoísta y bipolar... una fauna que el cineasta maneja con eso tan manido pero indescriptible llamado “estilo personalísimo”, cuajado de objetos imposibles, hallazgos y soponcios (ese bar-confitería) y seres ácidamente panolis. Para aventurar un símil, como si a Vázquez le hubiera dado por rodar nouvelle vague en vez de garabatear morosos, gorrones y cebolletas. ¿Que si ésta no es tan “especial” como aquella? Seguramente usted tampoco lo sea después de dos lustros, mameluco.

"EL FINAL DEL ESPÍRITU": 6 DE JULIO 2007

“El final del espíritu”
**
Ingenuos cuervos blancos
Director: Jim Hanon.
Intérpretes: Louie Leonardo, Chad Allen.
Nacionalidad: EE.UU., 2005.
Duración: 110 minutos.
Érase una película que arranca como “Apocalypto”, toca techo en plan “Grizzly Man” y planea plácidamente hacia “La misión”. Un tres en uno que, considerando a cuánto está el kilo de entrada de cine, se podría hasta agradecer. Sin embargo, este semidocumental trabajo del novato-veterano Hanon (basado en hechos reales, claro) no acierta a cuajar ninguno de los palos que toca, quedándose en una finústica estampa amazónica con incómodo moho de clemencia catequista y ponedor de la otra mejilla. Ciertamente, la tragedia de unos misioneros yanquis en el Ecuador profundo de 1956 (aunque podía ser 1456) a manos de unos salvajes y paganos waodani tiene potencia de saque, mas la artificiosidad de la puesta en escena impide que suba a red y remache como era de esperar. Eso sí, la fotografía, para caerse de espaldas.

"PROPIEDAD PRIVADA": 29 de junio 2007

“Propiedad privada”
Caín y Zape
** (Dos)
Director: Joaquim Lafosse.
Intérpretes: Isabelle Huppert, Jérémie y Yannick Rénier.
Nacionalidad: Francia-Bélgica, 2006.
Duración: 90 minutos.
Es alarmantemente fácil imaginarse cómo le hubiera lucido de acondicionado el pelo a esta película si hubiese caído en el salón de belleza “Mechas y tintes Hollywood”: Ben Stiller y Owen Wilson hubiesen dado vida a los hermanos malasombra y Diane Keaton quedaría fetén como la madre que sufre el gorroneo y acoso de sus hijos. Pero como hoy es viernes y esto es cine francés, los Zipi y Zape de turno son hermanos de verdad (fantásticos Jérémie y Yannick Rénier), la mamá es Huppert (que por una vez consigue sin despeinarse no ser el personaje más odioso) y el tono vira de comedia aburguesada a drama mineral con tragedia final incluida. Lo realmente curioso es que no acabemos de decidir qué dirección sería la más correcta considerando la naturaleza de la trama. Quizá lo ideal sería una bioquímica fusión que aún queda algo lejos de las posibilidades de su bisoño aunque muy prometedor director. De todas formas, la radiografía, a veces en elegante fuera de plano, de una familia con varias vértebras machacadas no debería dejar frío a nadie. Que de bebés todos son adorables.

"LAST DAYS": 22 DE JUNIO DE 2007

“Last Days”
Como un tonto rodante
** (Dos)
Director: Gus Van Sant.
Intérpretes: Michael Pitt, Lukas Haas, Asia Argento.
Nacionalidad: EE.UU., 2006.
Duración: 100 minutos.
A algunas películas las miras con ojos de musaraña mientras ellas clavan la vista en su ombligo de platino, insondable y chulo como un agujero negro. Por ejemplo ésta, lo más parecido a un budista borracho buscando su cortauñas en una catedral que nos hemos echado al coleto en mucho tiempo. Un lince este Van Sant. Además de conservar una aureola casi mítica por sus primeros filmes, ha sido capaz de hacer olvidar a su club de fans que también puede despachar bollería industrial (“El indomable Will Hunting” y “Descubriendo a Forrester”) y, lo que tiene más mérito, colar esa basura radiactiva y copiota llamada “Psycho” en su “prestigiosa” tetralogía de la tragedia americana a la que se adscriben la tediosa “Gerry”, la impactante “Elephant” y esto. Ay, esto.
Largo aullido de cadáveres exquisitos y ángeles exterminadores, auto sacramental de leyendas posmodernas engullidas por su propia santidad (y por sus diabólicos amigos, más bien queridísimos verdugos)... Etcétera, etcétera. Más que una película, “Last Days” es un retablo abstracto y conceptual donde cada farfulleo del protagonista (ajustadísimo Michael Pitt, que realmente a veces parece el propio Kurt Cobain en sus «últimos días») y cada arrastrar de pantuflas en mármol pueden interpretarse de cien maneras y profecías, según el crítico ornitorrinco que nos crucemos. Pero, sinceramente, y salvo un par de escenas con la llaga de la emoción terminal (esa guitarra torturada y a capella), y un par de balones de oxígeno humorístico (ese negro de las páginas amarillas), uno encuentra cien veces más concentración de cine puro y sin explicaciones o guías de uso en los dos minutos de reencuentro entre Dito y Laurie en “Memorias de Queens” que en 100 minutos de este coñazo. Y que me cuelguen de los pulgares los apóstoles del poscine y la madre que lo parió.

"HOSTEL 2" Y "LO QUE NO SE VE": 15 JUNIO 2007

"Hostel 2"
** (Dos)
En la alegre casquería, ia-ia-oh
Director: Eli Roth.
Intérpretes: Lauren German, Heather Matarazzo, Roger Bart.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Duración: 93 minutos.
Igual que Marlowe iba a visitar cuatro millones de dólares en su primer caso, aquí cualquier espectador visitará cuatro millones de aberraciones, torturas y mutilaciones variadas. Tampoco pillará de nuevas a nadie, al tratarse de una segunda parte tan correcta que lleva a gala la cosa de la paridad: si en la primera los tres corderillos eran muchachos, ahora le toca el turno a las féminas hospedarse en la casa de los horrores eslovaca. Y mira que al principio se escucha una línea de diálogo memorable: "En Europa casi no quedan lugares seguros" (encima, poco después de ver a dos mancebos, en pelota picada y sin sufrir daños ni atropellos, sirviendo de modelos en plena calle y en plena Roma). Pero la juventud no escarmienta ni se da cuenta de que, en casa del tío Sam, como en ningún sitio.
Práctica y afortunadamente contra pronóstico, Eli Roth (que debe haberse acercado al museo de la inquisición en Santillana del Mar, como le recomendamos en su anterior garbeo promocional a Madrid) ha sabido eludir el "síndrome de la secuela terrorífica rodada a toda mecha", cuyo caso más reciente y sangrante fue "Saw II". Antes bien, "Hostel 2" continúa en el tiempo la acción de su antecesora, aunque el hilo conductor tarda bien poco en perder la cabeza. A continuación, entran en escena las tres nuevas víctimas, entre las que destaca la encarnada por Heather Matarazzo, perfecta y propiciatoria desde que abre su boca de gorrioncillo metálico (por algo le toca la ejecución más "estética", granguiñolesco homenaje a Argento y a las vampiresas húngaras). También es significativa la presencia de Lauren German, protagonista del remake de "La matanza de Texas", ya que puede interpretarse como un "crossroad" de dos formas de entender el género: la americana, costrosa y telúrica y la europea, más retorcida y sofisticada. Solo hay que recordar otra de las escenitas estelares, con un zumbado preparándose a lo vivo un "carpaccio" de pierna de efebo mientras de fondo suena un tenue adaggio. Pura poesía de la víscera, nada de ojos chamuscados estilo Troma de la primera parte.
Aunque tampoco hay que pasarse de finolis, ya que la mano del padrino Tarantino es alargada y proporciona bonitas castraciones, deslices macabros a lo "Pulp Fiction", perros con hambre atrasada y, sobre todo, una puja vía móvil entre matarifes con corbata de platino que casi pone más pelos de punta que las sádicas performances. A por la tercera.

“Lo que no se ve”
El fantasma que camina (y tropieza)
** (Dos)
Director: David S. Goyer.
Intérpretes: Justin Chatwin, Margarita Levieva, Marcia Gay Harden.
Duración: 97 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Precisamente ahora que vuelve a las librerías el clásico de Richard Matherson “Más allá de los sueños” (La factoría de ideas) se cuela esta película de peligrosa traducción al castellano y que también alerta de los inquietantes portales fronterizos entre la vida, la muerte y todo lo contrario. Pan comido para cualquier fan de cualquier espacio de “asust-arte y ensayo” que pulula por las parrillas televisivas, y también para cualquier cinéfilo que, desde “El fantasma y la señora Muir” a “Ghost”, sospeche que entre el amor y la eternidad circulan pasadizos espectrales y curiosos.
Aunque, para curiosidad, el hecho de que sea David S. Goyer (“Blade Trinity”) el encargado de llevar las riendas de un proyecto que iba para filme adolescente de culto estilo “Donnie Darko” pero que se queda en thriller romántico sobremesino. El argumento se centra en un pulcro y gafapastoso (línea maldita-baudeleriana) chaval al que una compañera de instituto casi manda al otro barrio por un quítame allá esos chivatazos. Entonces, el fantasma del moribundo sale de la “cárcel del alma” y se dedica a comerle la oreja a la chavala para que se arrepienta, confiese a la policía y salve a su “dueño corpóreo” mientras, cómo no, descubre que la cuasi-asesina en el fondo no es tan mala chica. Algo disparatado pero así son estas cosas.
Aparte de la original invisibilidad del “casper” (él cree que se tropieza con alguien que, en realidad, sigue su camino tan pancho) y lo extrañísimo que resulte ver un póster de Bukowski en la habitación de un teenager americano (eso sí que es sobrenatural), la historia trascurre por los cauces habituales del género, presumiblemente cogiendo sus mejores tajadas del inédito filme sueco (“Den Osynlige”) en el que está basada. Algún brote de calidad (la siempre entregada Marcia Gay Harden) y otros de “ay” (la bochornosilla presencia del ectoplasma del mejor amigo) llaman la atención de una película cuya mayor fantasmada sería aspirar a un lugar en el altillo de las memorables del año. Ni de la semana, vaya.

"BOY CULTURE" Y "ÉRASE UNA VEZ... UN CUENTO AL REVÉS": 8 DE JUNIO 2007

DE LOBITOS "BUENOS" Y SARDINAS MONTAÑERAS
Entradilla: Se estrena "Érase una vez... un cuento al revés", divertida e ingeniosa película de animación que le busca las cosquillas a los textos de los hermanos Grimm

Inevitablemente se puede pensar que la bella y filigranesca asistencia servida por esta película la recogerá en tres semanas el all-star Shrek para hundirla en el aro como aquellos titanes animados contra los que competía Jordan. Y más cuando ambas comparten productor, John H. Williams. Sin embargo, esta ambiciosa cinta de "dibus" europeos sabe columpiarse en las trompetillas del ogro verde para hacer de su capa un sayo. Todo, gracias a una diferencia esencial: mientras la saga de DreamWorks se basa en el anacronismo efervescente (al igual que la mediocre "La increíble pero cierta historia de Caperucita Roja"), aquí se opta por la imaginación y la vuelta de tuerca original.
Para empezar, la fabulilla empieza por el tejado, con una madrastra encaramada en el balcón del ayuntamiento del País de los Cuentos de Hadas como si fuera un alcalde tránsfuga. Gracias al capotazo de un flashback conocemos el porqué del golpe de estado: un par de chapuceros aprendices de brujo han trastocado la bola mágica que regula que todos los cuentos tengan un final feliz con perdiz escabechada. Una travesura que desata una cadena de catastróficas desdichas que sirve para destapar la verdadera naturaleza de nuestros héroes infantiles (los siete enanitos parecen marines en Bagdad y la estelar Cenicienta, una afrancesada Eva Longoria). Un buen ritmo narrativo, una hercúlea tecnología 3D y un adecuadísimo dúo de directores (el debutante Paul Bolger luce su rol de alumno aventajado de Don Bluth, mientras que Yvette Kaplan demuestra que aún tiene el tirachinas de Beavis y Butt-Head en el bolsillo) redondean un fetén filme que constata que otro acercamiento a los Grimm es posible sin ser tan "grimmoso" como el penúltimo Gilliam.

"Boy Culture"
** (Dos)
Pateando el arcoiris
Director: Q. Allan Broka.
Intérpretes: Derek Maguyar, George Jonson.
Duración: 90 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2006.
"¿Por qué los gays nos sentimos a los 18 como cuarentones?"; "si no ligásemos tanto, a los homo nos iría mucho mejor". Pellizcos de guión como éstos demuestran que "Boy Culture" tiene unas cuantas neuronas más en el coco que, sin ir más lejos, la mariliendre y ridiculizante "Another gay movie". Y eso que los tópicos genéricos se dan a cascoporro, como los adonis desaforados en una misma jaula, el recurso de contar los episodios sentimentales como capítulos de una autobiografía y la "sutil" competición hogareña de minorías entre la pareja protagonista: uno gay y el otro, gay y encima negro (eso, se supone que de nacimiento). Sin embargo, el tacto (ojo con deslizar el chistecito de "rectal") se impone a la hora de abordar los conflictos sentimentales de los muchachos, difíciles de manejar considerando que uno es "chapero" de profesión y su cliente preferido, un madurito tan egoísta y mentiroso como él. Pero con corazoncito, que es lo que cuenta. Además, no hay suicidios "queer" ni apenas escenas sexuales escabrosas, así que la salvamos de la hoguera, arcoiris o gris hetero.

"PING PONG MONGOL" Y "LA CAJA": 1 DE JUNIO 2007

“Ping-pong mongol”
Aprende, Tarantino
***
Director: Ning Hao.
Intérpretes: Hurichabilike, Dawa, Geliban.
Nacionalidad: China-Mongolia, 2004.
Duración: 105 minutos.
Ya se sabe: una vez al año, un filme mongol no hace daño. Y éste con novedades notables ya que, si el monopolio lo tenía Byambasuren Davaa, ahora le toca el turno a Ning Hao, aunque sea chino del mismísimo valle del río amarillo. Pero el mágico oxígeno que respiran sus praderas despeinadas y sedosas es inconfundible. También su anecdótico argumento (un niño encuentra una críptica pelota de ping-pong y le parece una perla “nacional”) y ese tacto virgen y superviviente. Y la cara solar del crío en el fantástico final, casi en plan “Los 400 golpes”. Pura, secreta, marciana.


"La caja"
***
Las nenas no se tocan, muerto
Director: Juan Carlos Falcón.
Intérpretes: Ángela Molina, Elvira Mínguez, Antonia San Juan.
Duración: 107 minutos.
Nacionalidad: España, 2007.
A los españoles siempre se nos han dado muy bien los fiambres. Si puede ser, y valga la redundancia, embutidos en sus trajes de pino, quietecitos y tan monos mientras les lanzan como claveles feroces rosarios con rapsodia de Phillip Glass. El esperpento, qué gran invento. Con tal background, no es de extrañar que el traje de largo del canario Juan Carlos Falcón sea también de luto, y de luces, viendo el feliz resultado. Quizá el nivel de primerizos nacionales esté tan enterrado este año que cualquier alegría retumbe con voz propia, o ajena. Porque, evidentemente, y sin que sea demérito del director, "La caja" (nótese la notoriedad de continente por contenido) es un cofre donde caben sin apreturas Ripstein, Ferrara, Zambrano y, cómo no, la veta negrísima de la santísima trinidad Ferreri-Azcona-Berlanga. Todo ello, aglutinado alrededor de un ataúd de triple fondo velado por viuda, amigas y vecinas a las que el endiablado difunto aún pica más que una patata caliente. Y es tan imponente e impactante el reparto femenino (y tan bestias hallazgos como esa lengua que se come el gato) que lima cualquier aspereza culebronera o patinazo cubano final. Una gozosa "santa compaña" tropical y sesentera donde tampoco desafina el acento gallego de Manquiña. Mojarlo de mojo hubiese sido "demasié". Debut a seguir.

"UNA MUJER INVISIBLE" Y "GRITOS EN EL PASILLO": 25 DE MAYO DE 2007

"Gritos en el pasillo"
Pretecnología manisera
**
Director: Juanjo Ramírez.
Duración: 80 minutos.
He aquí un filme que podía haberse gestado en alguna clase de manualidades de EGB o entre cañas y panchitos un sábado tontorrón. Porque "Gritos en el pasillo" es, ni más ni menos, la primera película protagonizada por cacahuetes. Cacahuetes, sí. Hombre, cierto que Alexander Alexeieff hacía animación con alfileres en los años 30, pero esto es otra cosa, ya que los "manises" se expresan peor que los monigotes de "South Park", aunque podría colar como homenaje a las marionetas escayoladas de Jiri Trnka. Porque de guiños friquis va la cosa, ya que el argumento tira del terror de la Hammer y hasta del giallo de Argento, aunque la sombra de Aardman es alargada. Algunas cositas tienen gracia (las mascotas de los cacahuetes son perros-pistachos) pero la monotonía provoca incluso fantasías con palomitas de maíz. Eso sí, como ultra-rareza, aceptada la guasa.

"Una mujer invisible"
Visto y no visto
**
Director: Gerardo Herrero.
Intérpretes: María Bouzas, Adolfo Fernández.
Duración: 106 minutos.
Nacionalidad: España, 2007.
Aunque parezca una analogía algo mediopensionista, Herrero es como Herreros: tiene la mecánica de tiro más pulida que unos zapatos de gamuza. Lástima que a veces le sale el triple ganador contra el Tau y otras, un churro a cuchara que no toca ni aro. Con los fundamentos guionistas de Belén Gopegui, elabora aquí una fábula donde los machos-alfa se mueven con tres piernas y las mujeres levitan como Santa Teresa. Hasta que una de ellas, cansada de ser "invisible", apuesta fuerte y se liga con displicencia (eso se cree) a la pieza con más carne de pescuezo en el cerebro. Férreamente estereotipado, tanto en roles como en símbolos vitales (el ping-pong, los telefonistas-negreros), con la "troupe herreriana galaica" a pleno rendimiento y un final que avergonzaría a Cukor, lo mejor que se puede decir del filme es que no defraudará a los seguidores del cineasta. Que los tendrá a estas alturas.

"EL NIÑO DE BARRO": 18 de mayo de 2007

“El niño de barro”
Demonio vestido de blanco
** (Dos)
Director: Jorge Algora.
Intérpretes: Maribel Verdú, Daniel Freire.
Nacionalidad: Argentina-España, 2007.
Duración: 105 minutos.
La cruda y asquerosa realidad nos ha quitado las ganas de arrancar recordando alegremente niños diabólicos como Daniel el travieso, Alfalfa o el diablillo de “La profecía”. Y es que, como siempre, la realidad suele superar a la ficción como una locomotora a un caracol. Véase el caso de Cayetano Santos Godino, alias “petiso orejudo”, que en el Buenos Aires de principios de siglo dejó secos a un puñado de inocentes de la forma más cruel imaginable cuando aún no le había brotado la pelusilla del bigote. Vamos que, a su lado, el asesino del zodiaco se quedaría al nivel del timo de la estampita. Por supuesto, un material así no podía quedar virgen cinematográficamente hablando, y ha tenido que ser el siempre sagaz Julio Fernández quien tomara cartas en el asunto, confiando tan peliaguda tarea a un novato experimentado como Jorge Algora, quien ha rizado el rizo del riesgo presentando como protagonista a un “falso culpable” que sirve de hilo visionario para llegar hasta la guarida de la bestia. Algo que le imprime una insólita potencia narrativa al último acto del filme, olvidando algunos descuidos iniciales, incluso de guión (“encontró que había encontrado”, llega a decir el “poirotiano” comisario encarnado por Freire). Una impecable escenografía y una Maribel Verdú enrachada logran que esta “huella del crimen” quede impresa en nuestras retinas, al menos hasta el momento de ver la tajada de sucesos del último telediario.

"EL RETORNO DE LOS MALDITOS" Y "KEANE": 11 DE MAYO DE 2007

«Keane»
*** (Tres)
Angustia
Director: Lodge H. Kerrigan.
Intérpretes: Damian Lewis, Abigail Breslin.
Duración: 90 minutos.
Nacionalidad: EE.UU, 2004.
Que me han quitado dos puntos del carné, que la chacha se me vuelto a Bucarest, que no tienen mi crema antiarrugas preferida, que con este calor no sabe una si arriesgarse con esa camiseta de Chanel por si se hacen rodalazos en las axilas... Problemones de tal calibre saltan como renacuajos impertinentes a nuestras pacientes orejas a diario. Por suerte, películas como ésta ponen las cosas en su sitio: cualquier pijada del vecino/a cotorrero/a mengua ante la situación del protagonista, un esquizofrénico que, con la angustia tatuada en su mirada cursiva, busca a su imaginaria hija pequeña en plena calle. Un tour de force naturalista, lineal y sin concesiones que nos confirma que hay más actores magistrales de los que imaginamos (bestial Damian Lewis, sin olvidar a Abigail "miss Sunshine" Breslin) y que el cerebro no siempre es el mejor amigo del hombre.

«El retorno de los malditos»
* (Una)
Otra piel, mismo pus
Director: Martin Weisz.
Intérpretes: Michael McMillian, Jessica Stroup.
Duración: 90 minutos.
Nacionalidad: EE.UU, 2007.
Los fogones de Hollywood son como los laboratorios de aquellos «mad doctors» que galvanizaba Karloff en los 40 para la «RK-Oh». El penúltimo invento macabro es la "sequel to remake", doble hélice que sirve para comprobar en qué se ha distanciado el género de terror de su modelo seminal setentero. Siendo breve, que para muchos «Spiderman 3» es igual a «Spiderman 2+1»: en nada. Igual que en el original de Craven, las colinas (o cuevas) siguen teniendo ojos fatales, los mutantes necesitarían varios cambios radicales cutáneos incluso para ser teletertulianos nocturnos, y los jovenzuelos son tiernos ternerillos hasta de soldaditos pseudocaza-iraquíes. Efectista pero rutinario.

"LOS ABANDONADOS", "ADIÓS, BAFANA" Y "LA LÍNEA RECTA": 27 de abril de 2007

"Adiós, Bafana"
** (Dos)
Blanco con alma negra
Director: Bille August.
Intérpretes: Joseph Fiennes, Diane Kruger, Dennis Haysbert.
Duración: 140 minutos.
Género: Drama.
Haciéndole un feo a Joyce y a su mítico banderazo inicial de "Retrato del artista adolescente", zambullámosnos en el cálido caldo tópico y comencemos diciendo que, sí, August lleva años haciéndose el sueco (aunque nació en Dinamarca). Y en un proyecto como éste, donde intenta derretir los barrotes que sufrió Mandela durante 30 años, tal tentación era casi una tautología. Por supuesto, el gran oficio del cineasta (dos Palmas de Oro y un Oscar, tela) elevan el resultado por encima del mero telefilme, aunque la cara de opositor a notarías de Fiennes como carcelero, primero cabrito y luego amiguete, haga peligrar el conjunto. Y, uf, 140 minutazos.

“Los abandonados”
** (Dos)
El rollo cuántico
Director: Nacho Cerdá.
Intérpretes: Anastasia Hille, Karel Roden.
Duración: 95 minutos.
Género: Terror.
Junto al ya en marcha de Tinieblas González, el de Nacho Cerdá tal vez sea el debut más esperado dentro del panorama del fantaterror patrio. A él le debemos unos cuantos cortos de bastante alcance y un proyecto eminentemente malditista sobre el mitificado “Ataúdes de luz”, de Sergio del Monte. Con este currículo a sus espaldas, no es de extrañar que el cineasta conozca al dedillo cada chirrido de uña sobre pizarra que puede soliviantar al personal. Lástima que tal pericia haya sido invertida en un filme con abundante colección de tópicos en sus bobinas: seres atormentados y confinados en un caserón rural (y exótico), presencias fantasmagóricas, pretéritos crímenes sin resolver ni vengar... En este sentido cabe preguntarse si el cine de terror, ya superado por el videojuego, tiene algo nuevo que ofrecer o inventar a estas alturas, críos chinos “regomellos” excluidos. Por supuesto, sería injusto y estúpido colocarle a Cerdá tal papelón, pero al menos el novato ofrece un estimable catálogo de imágenes con calado y realidad y pesadilla remezcladas en finas capas. Ya se sabe, el rollo cuántico de siempre. Pero cuela.


“La línea recta”
Nada
* (Uno)
Director: José María de Orbe Klingenberg.
Intérpretes: Aina Calpe Serrats, Alejandro Cano.
Duración: 90 minutos.
Género: Ninguno.
Pero nada de nada. Cero absoluto. Ausencia de malicia o bondad. Esto es “La línea recta”, ópera prima de un cineasta casi cincuentón especializado en spots (se supone que de coches crípticos). Hora y media de ver cómo una chica introduce publicidad, buzón por buzón, o se emborracha sola, copa tras copa. ¿Será esto el auténtico “anticine” de Aguirre, una “revisitación” warholiana o qué? No, sencillamente una tomadura de pelo. ¿Cómo se la colarían al Festival de Gijón? Si fuera Cannes...

"FALTAS LEVES"Y "KANGURO": 20 de abril de 2007

“Faltas leves”
Como en las peores familias
** (dos)
Directores: Manuel Valls y Jaume Bayarri.
Intérpretes: Nuria Gago, Paulina Gálvez, Cuca Escribano.
Duración: 100 minutos.
Género: Comedia dramática.
Pensándolo bien, algo bueno tiene que tener esta ópera prima para que nos recuerde, aunque sea con fórceps, tres o cuatro autores de toda solvencia y confianza. Por un lado, el magnífico tándem de guionistas formado por Agnès Jaoui y Jean Pierre Bacri, responsables de algunas de las más inteligentes comedias corales de los últimos años. Por otro, el eterno Shakespeare de, por ejemplo, “El sueño de una noche de verano” (aunque a veces vire más hacia Gerardo Herrero y su cansina troupe generacional). Y, de remate, Roberto Bolaño y uno de sus memorables arranques de relato (“El hijo del coronel”, concretamente), incluido en el reciente “El secreto del mal”: “No os lo vais a creer, pero ayer por la noche, a eso de las 4 de la madrugada, vi en la tele una película que era mi biografía, o mi autobiografía o un resumen de mis días en el puto (sic) planeta Tierra”. Porque, en efecto, los siete personajes de “Faltas leves” se sienten extraterrestres con ellos mismos y con el espectador, que tarda lo suyo incluso en establecer parentescos y afinidades. Un farol asumido e ideado por los cineastas que, en ocasiones, es lastre narrativo y en otras una feliz licencia para reflejar los pequeños grandes problemones de la clase media-alta elegida valientemente. Por supuesto, los tics teatralizantes y los lugares (o continentes) comunes no faltan pero, extrañamente o no, la balanza se inclina hacia los pros más que a los contras. El tiempo dirá si hemos tenido el día tonto, buenazo o, sencillamente, leemos demasiada buena literatura en los autobuses a la hora de la pos-siesta.

“Kanguro"
** (Dos)
Demasiado gentil
Director: Christoph Schaub.
Intérpretes: Matthias Schoch, Alexandra Vandernoot.
Nacionalidad: Suiza, 2006.
Quizá sea porque fue ridiculizada universalmente en “El tercer hombre”, o porque ni Godard ni casi Tanner ni, por supuesto, Marc Forster cotizan demasiado patrióticamente hablando o, incluso, por la simpática guardia vaticana. El caso es que Suiza nos cae tan bien que hemos sido incapaces de darle el palo que seguramente se merezca esta comedia sobre un chaval que se mete a niñero aunque lo que le mola es ser chef (y la hija del señorito, claro), tan sosísima como el arte que luce su protagonista que, por otra parte, también tiene una cara de buena persona que tira de espaldas. Por si acaso, pediremos hora para un injerto de mala baba crítica...

"EL CORAZÓN DE LA TIERRA": 13 DE ABRIL DE 2007

“EL CORAZÓN DE LA TIERRA”
Batiéndose el cobre
** (Dos)
Director: Antonio Cuadri.
Intérpretes: Catalina Sandino Moreno, Sienna Guillory, Joaquim de Almeida.
Nacionalidad: España-Gran Bretaña, 2007.
Duración: 110 minutos.
Género: Drama histórico.
Le quedó tan afónica y descafeinada “La buena voz” a Antonio Cuadri que no era difícil imaginar que tenía la cabeza en otro sitio: concretamente, en su Huelva natal, que pilla más cerca que el Bilbao (sin mapamundi) por donde deambulaba el “peseto” José Luis Gómez. He aquí el resultado de tal sospecha, una ambiciosa adaptación de la novela de Juan Cobos Wilkins que cae como un “tomahawk” sobre uno de los episodios más ocultos y casi mitológicos de la historia sureña: el “año de los tiros”, matanza llevada a cabo el 4 de febrero de 1888 contra los vecinos de Riotinto que protestaban por sus pésimas condiciones de salud debido a la contaminación de las minas de cobre. Película, pues, pegada a un ADN andaluz que últimamente ha “exportado” (entre comillas, ojo, no se vayan a soliviantar patriotismos) productos con tanta denominación de origen como el biopic de Blas Infante “Una pasión singular” o los dibus con granadina de “El embrujo del sur” (mención aparte merece “Solas”, palacete que trasciende a cualquier casa consistorial). Incluso el propio Cuadri puso su sólida piedra con la iniciática y desinhibida “Eres mi héroe”. De estética muy cuidada y tono sostenido y contenido, al menos hasta la media hora final, el filme equilibra su peso social (no demasiado cargante, pese al acento habanero) con sus contrapesos dramáticos y sentimentales, aunque el romance entre el guardaespaldas y la profesora queda tan poco creíble como el posterior brote de cuernos con su mejor amiga. Más cargante es la obsesión enfática de Cuadri de asilvestrar mediante rugidos el gran cañón minero y las siniestras humaredas de las “teleras”, la auténtica madre del cordero conflictivo. En definitiva, una correcta lección de historia ilustrada “andalusí”, aunque le fluya sangre colombiana, lusa y hasta inglesita escupe-fuego de Sienna Guillory, que demuestra que peor que un señorito andaluz es un señorito inglés que quiera hacerse pasar por señorito andaluz. Por cierto, ¿quién se olvidó de Antonio Dechent?

"LA COSECHA" Y "EN BUSCA DE LA TUMBA DE CRISTO": 6 DE ABRIL DE 2007

“LA COSECHA”
Maldades
**
Director: Stephen Hopkins.
Intérpretes: Hilary Swank, David Morrissey.
Duración: 96 minutos.
Nacinalidad: EE.UU., 2007.
“Todo el mundo sabe que la plaga se acerca, todo el mundo sabe que se mueve rápido”, avisaba Cohen (¿que no ha visto aún en DVD “I'm your man”? ¿A qué espera, hombre de Dios?). Dicho y hecho, porque en estos tiempos con el apocalipsis crispado sólidamente instalado en la chepa, lo que menos podría pasar es que llovieran saltamontes, se tiñera el agua de RH negativo y a los hijos únicos nos partiera un rayo (bueno, eso casi que no). Stephen Hopkins, jamaicano curtido en mil batallas, regresa a sus tiempos de “Cuentos desde la cripta” para despachar esta entretenida y correctamente acarreada película, a pesar de que sepamos quién es el diablillo malo desde el principio, aunque imposte el acento “hillbilly”, y de algún susto veleidoso a la japonesa con niña (y anisakis) dentro. Lo mejor es ver a Hilary Swank sin perder los papeles, ni las estatuillas, ni la camiseta deportiva churruscada, ante tanto cataclismo y satanismo light. Eso sí, la pulla, y casi puya, anti-científicos sabiondos y pitagorines no falta. Lo dicho, una más. Otra menos.

“EN BUSCA DE LA TUMBA DE CRISTO”
Bondades
**
Director: Giulio Base.
Intérpretes: Daniele Liotti, Mónica Cruz, Max Von Sydow.
Duración: 105 minutos.
Nacionalidad: España-Italia, 2006.
Quizá lo peor de esta película con típico aroma telefilmero es su título en castellano (el original es sencillamente “L'inchiesta”, algo así como “La investigación”), que puede confundir al personal con aquel cacareado y algo charlatanero documental producido por James Cameron que pretendía mostrarnos el zulo exacto donde fue enterrado Jesús. Aunque, por supuesto, algo de eso hay en esta cinta, donde una especie de agente Mulder del imperio romano es enviado a Judea para darle betún a Poncio Pilato y descrifrar el enigma de la resurrección del Mesías. Curiosamente, y como en “La cosecha”, la razón acaba cediendo al corazón, por lo que se demuestra que, definitivamente, hasta los extremos más disparatados se tocan. Sin chirridos y con buena caligrafía catequista, el filme también padece en su reparto el “síndrome de la coproducción”, aunque Daniele Liotti haga ímprobos esfuerzos para hacernos olvidar que fue Felipe el Hermoso, Dolph Lundgren que fue el mostrenco Ivan Drago de “Rocky IV” y Max Von Sydow, que siempre será Max Von Sydow. Incluso que Mónica Cruz tiene una hermana más guapa que ella, según algunos (cada vez menos a partir de ahora, me temo). Lo del antepasado judío de Guillén Cuervo ya es más difícil, aunque todo es posible con un poco de fe. Y de eso tiene a toneladas este torrija-western, con perdón.

"MADRIGAL" Y "DESCUBRIENDO A LOS ROBINSONS": 30 DE MARZO DE 2007

“Descubriendo a los Robinsons”
Disney sigue siendo aquél...
Director: Steve Anderson.
Duración: 102 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2007.
Género: Animación 3D.
Igual que en “Viridiana” estaban predestinados a hacer un “tute a trois”, en la Disney van derechitos a rodar un remake animado de “La parada de los monstruos”. No fallaría ni un ingrediente: núcleo familiar “friqui” pero imbatible y tolerante, sentido circense de la vida y hasta código de honor por si alguien se desvía del camino de sombras doradas, que diría Baricco. Mientras algún guardagujas del estudio da luz verde al proyecto, continúan los experimentos y variaciones sobre el mismo tema, principalmente enmarcados en el futuro, que suele condecer manga ancha. Primero fue “Chicken Little” y ahora esta cinta que suple su columna vertebral de gelatina con un rico costillar de guiños y codazos cinéfilos con mucha vitamina “k” (Ackerman, Zemeckis, Kubrick...). La raspa argumental (un crío “jimmyneutrónico” debe viajar al futuro para evitar que un clon de Pierre Nodoyuna lo convierta en una versión de “La guerra de los mundos” con sombrero de hongo) se desparrama alegremente cuando conocemos a los Robinsons de marras, en una efervescente loquilandia animada típica de Steve Anderson (recordemos “El emperador y sus locuras”). Lo bueno es que, al final, todo es un homenaje al patriarca don Walt, que es de bien nacidos ser agradecidos. Incluso con lo de la foto de Raphael, que tiene su escándalo.


“Madrigal”
Más bien tabarra
Director: Fernando Pérez.
Intérpretes: Carla Sánchez, Carlos Enrique Almirante.
Duración: 100 minutos.
Nacionalidad: Cuba-España, 2005.
Aunque se suela hacer en festejos rurales o machadas televisivas, andar descalzo sobre brasas no es práctica aconsejable en cine. Fernando Pérez lo hizo de puntillas en “La vida es silbar” y “Suite Habana”, pero aquí se ha soltado las plantas y ha emprendido unos pisotones de campeonato. Y claro, quien juega con fuego acaba quemando al respetable. Sin duda su intención de homenajear a “Grandes maniobras” de René Clair es loable, pero viendo los resultados da un rato largo de apuro y alipori. La historia, de un realismo mágico ni blanco ni negro sino más bien marrón, se centra en el engaño de un resultón actor-novelista al camelar a una chica entrada en carnes. Una ridiculez culebronera que se agrava con el cruel epílogo basado en el cuentito de ciencia-ficción que estaba escribiendo el pollo. De pena y penitencia.

"EL SÍNDROME DE SVENSSON", "¿QUÉ TIENES DEBAJO DEL SOMBRERO?" Y "1% ESQUIZOFRENIA": 23 DE MARZO 2007

“¿Qué tienes debajo del sombrero?” y “1% esquizofrenia”
Viajes al fondo de la azotea
Directores: Lola Barrera e Iñaki Peñafiel (“¿Qué tienes...?”); Ione Hernández (“1%...”).
Intérpretes: No profesionales.
Duración: 75 minutos cada uno.
Mientras la ficción ibérica sigue cocinándose cual chilindrón lisérgico, la acera documental se coloca el gorro de chef a las finas hierbas con grandiosos festines. Sobre todo, “¿Qué tienes debajo del sombrero?”, maravilloso trabajo que explora y reactiva las fronteras del arte más allá de bienales y macrocócteles de inauguración. Así, sus autores fijan la cámara en la mirada diluida pero ultralúcida de Judith Scott, escultora sordomuda y con síndrome de Down, que exterioriza su presunto dolor (o su paz infinita) con enmarañadas obras a las que ni una radiografía médica puede encontrar lógica “al uso”. Ella y otros colegas “outsiders” moldean un documental sereno, elegante y emocionante, de lo mejor de nuestro cine este año. Por su parte, “1% esquizofrenia” también sondea con luz de pez abisal una enfermedad tan terrible como “frivolizada”. Más árido y eminentemente conversacional, el filme da vueltas concéntricas alrededor de todos los frentes del problema, sin saber en ocasiones quién es el cuerdo y quién el “loco” hasta los créditos finales. Una perfecta cara B, a la sazón, para otro documental reciente, “La Osa Mayor menos dos”, de David Reznak, una de las cinco mejores películas españolas de la década.


“El síndrome de Svensson”
Absurdeces al chilindrón
Director: Kepa Sojo.
Intérpretes: Alejandro Garrido, Pepe Sancho, Adriá Collado.
Nacionalidad: España, 2007.
Duración: 90 minutos.
Aprovechando que el horno taquillero está calentito para bollos industriales como “Epic Movie” o “Norbit”, Kepa Sojo al fin despacha su pieza de repostería pop (que, efectivamente, parece no tener stop). Uno de los tres millones de males de nuestro cine es la incapacidad de considerar al cortometraje (hasta ahora, terreno óptimo para Sojo) como un género emancipado, por lo que tenemos híbridos como éste, más estirajado que el chicle bazoka, y que soluciona su falta de ideas y argumento mediante la acumulación “on the road” de personajes tan extravagantes como baladíes. Algún fogonazo de talento en la caótica paellera no evita que el arroz se pegue. Eso sí, la música, de traca fallera. Nos aseguran.

"CONCURSANTE" Y "¡GOOOL! 2": 16 DE MARZO DE 2007

“¡GOOOL 2!”
¿Y Nuria Bermúdez?
* (una)
Director: Jaume Collet-Serra.
Intérpretes: Kuno Becker, Alessandro Nivola, Zidane, Raúl, Guti.
Duración: 115 minutos.
“Bienvenido a este mítico club”, saluda con voz de corbatín Florentino a Santi Muñez, ariete mexicano que descolló en el Newcastle en la primera parte. Mal y raro empezamos. Aunque, mira por dónde, estamos ante un falso documental que pone en evidencia a los cracks “reales” merengues fusionándolos en el césped con los novatos “ficticios” de PlayStation Becker y Nivola (ese Cassano british). Aparte del mejunje, nuestro héroe conocerá a su mamá, alternará en “fiestacas” (se nota que Collet-Serra trabajó con Paris Hilton) y tal. Pachanga tediosa y publirreportajera, vamos. Al menos, el replicante Hauer monologa mejor que Capello. Y Beckham, en “orsay”.


“CONCURSANTE”
Si Kafka pidiera un crédito
** (dos)
Director: Rodrigo Cortés.
Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Chete Lera.
Duración: 95 minutos.
Nacionalidad: España, 2007.
Como seguramente ni los programadores de televisión ni los banqueros lean a San Agustín, desconocerán su célebre aforismo “buscad lo suficiente y no queráis más; lo que pasa de ahí es agobio, no alivio”. Al menos, esa es la premisa y la suposición del gallego Rodrigo Cortés para vertebrar su ópera prima, aunque más que columna sea cable de alta tensión. La historia es tan sencilla que por algo la cuenta un cadáver (sí, el viejo truco): un profesor, precisamente, de economía, es toreado por las instituciones financieras impidiéndole ver un euro de los tres millones del premio de un concurso televisivo. Hasta que el hombre explota de peor manera que Douglas en “Un día de furia”. Más que una protesta seudoanarquista contra las garras de seda del Sistema, lo que propone “Concursante” es el inalienable derecho al cabreo y a tomar lo que creemos que nos pertenece. Con brillantez y osadía novata, Cortés (apunten ese nombre) recubre este argumento con un flambeado estilístico tan radical y agobiante como, paradójicamente, “entorpecedor” considerando su ya poderoso contenido. Pensemos en la barroca sobriedad de Welles en “El proceso”, aunque el trabajo de Sbaraglia es soberbio. Moraleja: la avaricia rompe el saco. En todos los sentidos.

"EPIC MOVIE": 9 DE MARZO DE 2007

“Epic Movie”
Ni puñetera gracia
0 (Cero)
Directores: Jason Friedberg y Aaron Seltzer.
Intérpretes: Karl Penn, Adam Campbell.
Duración: 85 minutos.
Pocas, poquísimas veces una comedia ha conseguido convertir a este risueño y optimista redactor en alguien a cuyo lado Buster Keaton sería rey del Carnaval de Cádiz. Y eso que el subgénero paródico, de Abbott y Costello a Zucker-Abrahams-Zucker pasando por Brooks, tiene momentos memorables, pero “esto” es la nulidad absoluta. Tan solo un Harry Potter viejo y derrotado provoca algo parecido a una sonrisa. El resto de gags sobre “Las crónicas de Narnia”, “Piratas del Caribe”, “Charlie y la fábrica de chocolate” y algún programilla de MTV, cero patatero sin llegar al alipori. Ni las orejas de fauno de “Esqueleto”, el colega de Super Nacho. Pues eso, marchando unas de burro bien gordas.

"BREAKING AND ENTERING": 2 de marzo de 2007

“BREAKING AND ENTERING”
Amores clandestinos, los más queridos
*** Director: Anthony Minghella.
Intérpretes: Jude Law, Juliette Binoche, Robin Wright Penn.
Duración: 120 minutos.
Nacionalidad: R. Unido-EE.UU., 2006.
Alguien capaz de remojar los sentimientos en el caudaloso río del sacrificio para ponerlos a secar con la brisa del desierto merece, al menos, una atención seria cada vez que firma una película con la etiqueta “romántica” colgándole del cuello como el barrilete de un San Bernardo. Por supuesto, los diez años transcurridos desde “El paciente inglés” hasta ahora serían un pequeño brinco para cualquier “true love” pero un gran paso para la carrera de un cineasta como Anthony Minghella, cuya naturaleza está sujeta a los avatares y zarandeos de una industria siempre ojo avizor a las sutilezas emocionales. Vamos, que un día te come a besos y estatuillas y al siguiente ya planea cuernos virtuales con niñatos videocliperos. Por eso, el de la isla de Wight apuesta fuerte con este proyecto, un antiguo amor teatral cuyas tablas y pilares maestros remiten a un tipo que, suponemos, no suele regalarse para San Valentín en el Hollywood actual: Ingmar Bergman. Y es que los hilos que mueven a los personajes principales de “Breaking and Entering” son parecidos a los que nos tendió el sueco en “Secretos de un matrimonio”, “La carcoma” o, en fin, “Sarabanda” (hasta la protagonista femenina se llama Liv). Esto es, dos cónyuges camuflando su propia incomunicación en la de su hija, aquejada de una extraña obsesión gimnástica y alimenticia. En un malévolo efecto bumerán, el principal escollo del filme es el mismo que el de muchas relaciones: la acumulación de elementos secundarios recolectados a lo largo del camino. Principalmente la subtrama de los robos (y el personaje de la prostituta, que bien poco aporta), y paradójicamente el episodio del flirt con la inmigrante bosnia (magnífica y derrochadora Binoche), a punto de chupar banquillo cuando debería ser titular. De todas formas, y pese a las camisas de cuello Mao de Law y sus mohínes (no se puede ser tan dramáticamente guapo) y cierta reacción samaritana y en falsete de la “cornuda” esposa, queda un producto con empaque y “adulto”, como un disco de Sting.

"EL ÚLTIMO REY DE ESCOCIA" E "INLAND EMPIRE": 23 DE FEREBRO DE 2007

“INLAND EMPIRE”
El sueño y los monstruos
***
Director: David Lynch.
Intérpretes: Laura Dern, Jeremy Irons, Justin Theroux.
Duración: 172 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2006.
Hace tiempo que Lynch ya no se dedica al cine sino a la hipnosis colectiva. Concretamente, treinta añazos, cuando “Cabeza borradora” ya flirteaba con la desastrosa línea que separa la genialidad con el onanismo mental, funambulismo que ha producido obras maestras (“Terciopelo azul”) y bodrietes tomateros (“Carretera perdida”). Aquí, el de Missoula ha echado literalmente el resto y, al igual que Auster en “Viajes por el Scriptorium”, se ha autohomenajeado a conciencia y demencia, incluyendo en el caldero mágico claves seminales de su obra, tanto estéticas como musicales o, sobre todo, desestructurales. Porque hablar de argumento en “Inland Empire” es casi una ordinariez. Aún en “Mulholland Drive”, otra alucinación epiléptica con la que tiende lazos incluso subliminales (la voz de un miembro de la “familia conejera” es Naomi Watts), pero aquí es como querer hacerse una piedra de mechero con el monolito de “2001”. Aunque hay ocasiones en que tocamos tierra con el dedo gordo: su retrato de un fantasmagórico Los Ángeles, tan magistral y sincopado como el mejor Thompson o Fante; y la actuación poliédrica de Laura Dern, devuelta gozosamente a la vida, aunque no atinamos en qué dimensión. ¿Totum revolutum? ¿Sancta sanctorum? Sin duda. De todo, menos tomadura de pelo. Como mucho, juego cómplice con el espectador menos pasivo. ¿Qué tiene de malo echarse una partidita y desperezar a ese fósil llamado Séptimo Arte?


"EL ÚLTIMO REY DE ESCOCIA"
La estampida del colibrí
*** ½
Director: Kevin MacDonald.
Intérpretes: Forest Whitaker, James McAvoy, Kerry Washington.
Duración: 121 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2006.
Para no irse por las ramas: Whitaker es a esta película lo que Jordan a los seis anillos de los Bulls, Mercury a Queen o Sherlock a Conan Doyle. Más que su corazón o sus pulmones, su mismísima osamenta. Por ello es tan complicado calibrar o analizar "El último rey de Escocia" sin que la mirada oblicua y el cuerpo acorazado del actor sean, parafraseando su nombre propio, un bosque ("forest") que impide ver cualquier tipo de flor o arbusto adicional. Aunque tampoco conviene caer en el tópico de considerar esta brutal escalada a la ficción-no ficticia del prestigioso documentalista Kevin MacDonald como "one man band" a la mayor gloria de un actor que viene pidiendo a rugidos un Oscar, o más, desde que domó el saxo salvaje de Charlie "Bird" Parker. Porque esta película posee un generoso sistema de temperaturas, condiciones humanas, terrores y desilusiones orbitando, eso sí, alrededor de la cintura de su protagonista, que la mueve con la misma soltura que Ali cazando una avispa. Al menos, esa es la imagen que tuvimos durante dos horas: actor peleando a la contra y haciendo sombra con su despreciable personaje, Idi Amin, único bicho capaz de superar a Hitler durante el siglo XX al correr por sus venas el peor elemento del crimen: la cobardía antimegalómana y el cerebro de lombriz. Una combinación tan explosiva que tronchó las vidas de un cuarto de millón de ugandeses mientras le hacía ser adorado y venerado por muchos miles más. Y un reto que Whitaker agarra por las solapas, zarandea y logra que caigan al suelo diamantes que el tirano no merecería ni el mejor de sus sueños. Además de este impresionante fresco sobre la descomposición de a) un sueño y b) un país (magnífica la fotografía de Anthony Dod Mantle), valoraremos al rookie James McAvoy, que bastante tiene con aguantar el tipo pelirrojo ante el búfalo que le bufa en cada escena. Sus titubeos y unas gotas de gore sensacionalista (ese "hombre llamado caballo" en el duty free) empañan un filme impactante, sudoroso, apocalíptico y, vaya, forestwhitakero.

"LA VIDA DE LOS OTROS" E "INVENCIBLE": 16 DE FEBRERO DE 2007

"LA VIDA DE LOS OTROS"
****
Que es una miaja la nuestra
Director: Florian Henckel Von Donnersmarck.
Intérpretes: Ulrich Mühe, Martina Gedeck.
Duración: 145 minutos.
Nacionalidad: Alemania, 2006.
Háganse una imagen mental de la escena: en una visita a algún testaferro consular, un grupo de escolares en las postrimerías de la EGB son convencidos, a base de folletos y pegatinas, que la RDA es un estado "moderno, libre y en progreso". Corría el año 1985 y hasta el más aplicado de los alumnos se olía que ahí había gato encerrado. 22 años más tarde, lo acaba (acabo, vamos) de comprobar gracias a este peliculón de un gigante (no sólo de estatura) que, curiosamente, tiene mi misma edad. Conclusión: más vale tarde que nunca saber qué roña escondía bajo la moqueta un régimen especializado en coleccionar medallas de halterofilia femenina. Por eso, la impresionante historia del patético capitán de la Stasi (la "secreta" que espiaba hasta el más mínimo aleteo occidentalizante de sus paisanos) descrita en este filme adquiere unas hechuras titánicas y acrecentadas en nuestro recuerdo día a día, algo sumamente raro en estos tiempos del cine-hot dog. Modélica y cronométrica, "La vida de los otros" le toma el pulso a temas como la soledad más desencajada, la intelectualidad más morosa o el amor más esquivo con una maestría sobrecogedora. Tanto, como la mirada de Ulrich Mühe, perdida, bestial y desengañada. No todo va a ser "Good Bye Lenin!". Que también. Imprescindible, en verdad.


"INVENCIBLE"
**
La gran coz americana
Director: Ericson Core.
Intérpretes: Mark Wahlberg, Greg Kinnear.
Duración: 105 minutos.
Nacionalidad: EE.UU., 2006.
En ocasiones, la sabiduría popular no falla. Véase el extraño caso de Vince Papale, taleguero barman metido a estrella de los Filadelfia Eagles a mediados de los 70 gracias a un toque de varita mágica del destino. ¿Cuál fue el mote puesto a Papale por la afición? Evidentemente, Rocky. ¿A qué se parece el biopic resultante? Evidentemente, a "Rocky". Así, "Invencible" luce tal telegrafía narrativa que, curiosamente, provoca que se disfrute con el resabio de la prensa deportiva del lunes. Eso, además de unos buenos patadones a seguir: el "playground" embarrado, el caricaturesco vestuario hiperhostil o el leñero peinado de un Wahlberg más "simiesco" que "infiltrado". Noblota.

"LA CIENCIA DEL SUEÑO", 9 FEBRERO 2007

“La ciencia del sueño”
*** (Tres)
La metafísica del duermevela
Director: Michel Gondry.
Intérpretes: Gael García Bernal, Charlotte Gainsbourg, Alain Chabat.
Duración: 105 minutos.
Nacionalidad: Francia, 2006.
Hay películas que se te plantan cara a cara con remolino rebelde y legañas fluorescentes y ufanas. Películas no autorizadas para todos los paladares y cerebros (como debe ser) que requieren un “plus de peligrosidad” del espectador. Tal es la especialidad casera de Michel Gondry quien, volviendo a sus orígenes, ha despachado un largo donde la “chicha” ejerce de sombra y viceversa, como en el videoclip de Beck que rodó hace unos años. Y eso que aquí el referente obligatorio, tanto estético como “gazpachero”, es Björk y sus mágicos mundos de colores. Pero ojo que también hay argumento entre tanta gominola: el desubicado amor entre un diseñador de calendarios “desastrológicos” y su vaporosa vecinita de al lado. Evidentemente, Gondry acusa la ausencia de la red guionista de Charlie Kaufman, pero se las compone solito (con la ayuda de Gael y su oficina siniestra) para demostrar que, en fin, el sueño no es una ciencia exacta, como bostezaba Lord Dunsany. Mola (mayormente).

"QUO VADIS, BABY?" Y "DARSHAN": 2 DE FEBRERO 2007

"QUO VADIS, BABY?"
*** Tres
Verdades y cintas de vídeo
Director: Gabriele Salvatores.
Intérpretes: Angela Baraldi, Gigio Alberti.
Nacionalidad: Italia, 2005.
Duración: 105 minutos.
Género: Policiaco.
Algo perdido, si no desvariado, teníamos a Gabriele Salvatores, uno de esos cineastas que no hacen más que darse friegas de salfumán para quitarse el tatuaje a fuego de "del ganador de un Oscar por...". Y es que la marea de "Mediterráneo" provocó resacones y colocones del calibre de "Nirvana" o "Amnesia", aunque ya empezó a dar síntomas de mejoría con "No tengo miedo". Ahora, tras tres tristes (suponemos) años de silencio, nos llega su último largo y su último bandazo, un "polar" a temperatura ambiente cuyas culebrillas se van enquistando alegremente en la piscina de la retina, como en el último episodio de "House". La trama orbita alrededor una detective privada (estupendamente tan llena de tópicos y lamparones como sus clásicos colegas masculinos) cuya existencia da un vuelco cuando recibe un surtido de VHS con la autobiografía de su hermana, fallecida tras presunto suicidio. El cineasta napolitano consigue justamente lo que pretende: que entremos y salgamos, como la niña de "The ring", de la fría pantalla "narrativa" a la aún más gélida existencia "de paisano" de la sabuesa, más confusa que un berberecho en una mercería. Pero, aparte del dominio narrativo y mercurial de Salvatores (maravilloso el final "banda aparte"), la ovación se cierra en torno a Angela Baraldi y su magistral retrato de mujer con trauma al fondo. Mala cosa si cae en saco roto.


"DARSHAN (EL ABRAZO)"
Espiritualidad a granel
** Dos
Director: Jan Kounen.
Con: Amritanandamayi Devi.
Nacionalidad: Francia, 2005.
Duración: 105 minutos.
Género: Documental.
El fibroso y osezno ramillete de desenlaces de "Babel" volvió a constatar que, para muchos, un abrazo bien dado es el mejor y más limpito orgasmo que ha inventado la humanidad. Ahora, el desconcertante Kounen (autor de las execrables zapatiestas "Dobermann" y "Blueberry") se une a la apología con este documental a la mayor gloria de Amma, una gurú especializada en repartir dones espirituales a base de abrazos fuertes. Asumidamente superficial (incluso por la propia interesada, que se hace la loca de vez en cuando), el filme no traspasa las fronteras de la postal exótico-folk, culminando en una "gang bang" con 40.000 estrechamientos en 23 horas. Pese a todo, conmueve y abruma, aunque sea por acumulación.

13 TZAMETI: 26 DE ENERO 2007

“13 Tzameti”
Abrigo de anguilas
** (Dos)
Director: Gela Babluani.
Intérpretes: Aurélien Recoing, Pascal Bongard.
Nacionalidad: Francia, 2005.
Género: Terror psicológico.
En ocasiones, al género de terror le sube algún ácido extraño que deviene en una arcada sofocante, “cultie” y sociometafórica como ésta. Su autor es un georgiano veinteañero que mete en una jaula (pronto de oro, pues Hollywood le sufragará el remake a colorines) una premisa tan brutal como un albatros empapado en alquitrán: un joven debe participar en un apocalíptico campeonato de ruleta rusa encadenada. Apabullante, aunque no tanto como se cree (¿y la otra semifinal?), el filme tiene más de Ferreri que de Polanski y de “Guardianes de la noche” que de “El cazador”. Pese a todo, una experiencia memorablemente desagradable, como probarse un abrigo de anguilas y que caiga como un guante.